国画赏析

Ⅰ 白鹭中国画的赏析

白鹭的美在于它洁白无瑕，在于它的窈窕。当你读到“那雪白的蓑毛”专的语句的时候属，你的眼中还仅仅是白鹭吗？不，她已幻作一只身着素衣的仙子，她亭亭玉立，她超凡脱俗，她可以随风起舞，她可以卓而独立，此时的白鹭，给我的是圣洁的美，是摄人心魂的美！
当你读到“在清水田里，时常有一只两只白鹭站着钓鱼”时，此时，我眼中的白鹭是一位垂钓的高手，他钓的是一田的清水，它钓的是悠然自得，它钓的闲情与逸事。他静然站立的姿势，如一幅清丽的图画让我耳目清新。
白鹭的美，在于它意味深长的美，在于它让人浮想联翩的美。白鹭“孤独地站在在小树的绝顶。”它哪里是不大安稳，它分明是站在生活的高处，在笑看花开花落，它静思的姿态如充满智慧的哲人，它是在了望？是在盼归？是在等待？它是在欣赏绚烂的朝霞？是在呼吸清新的气息？
白鹭的美，在于它那“低低的飞”，在晚霞燃烧的映衬里，“落霞与白鹭齐飞，秋水共长天一色。”它在空中划出美丽的弧线，它把诗情引到乡村暮色。

Ⅱ 浅析：如何欣赏和评价国画

欣赏和评价国画的优劣的标准是南齐谢赫在《古画品录》中归纳的“六法”，这是千百年来被绘画界和书法界所公认的。哪六法呢：“一曰气韵生动、二曰骨法用笔、三曰应物象形、四曰随类赋采、五曰经营位置、六曰传移模写”齐白石都把九十岁了，可他的话依然是气韵生动，笔力遒健，章法独具，换别人恐怕早已文思枯竭了吧。可以说，齐白石的画六法具备，他的“画妙在似与不似之间，不似则欺世，太似则媚俗”可谓悟到了艺术的真谛。
气韵兼力、格制俱老、变异合理、彩绘有泽、去来自然、师学舍短。及粗卤求笔、僻涩求才、细小求力、狂怪求理、无墨求染、平画求长”这些中国画欣赏和评价的语义，理解了你就能理解国画的精髓。
中国人的美学观点；以自然为美啊！清水出芙蓉，天然去雕饰！现在街上的女人，这样风格的已经非常少了！
中国书画，书法是基础，没有书法的基础，你就不懂中国的艺术！丰子凯的画非常简单，但是，大家为什么非常喜欢他，一个是意境，还有就是纯厚的技法！
前几天范增在说，画画主要还是技术的磨练！这个应该非常正确！哪个人都有自己的看法，关键是你能不能够表达出来！
简单说，中国画的“意境”说其实和中国艺术传统中的“禅”很有关系。尤其是如齐白石那样的“文人画”更甚。离开了“禅”的意境追求，恐怕这幅画的“中国特色”就丢了一半的分了。而有了这个“禅”意的矛盾审美标准限制，中国画在大部分的题材中就不容易有更多的思想和哲理追求。这是“传统”国画的致命伤。不改革，不会有发展的机会了。
个人以为，当代是不可能出大书法家和大国画家的，因为现在主流书画界的人，心思都 太势利，太小器，缺乏坚守和境界，当然也不愿下苦功夫，无论是人的境界还是笔墨的水平，都太水。
有几个有些趣味的，却只是在故纸堆里找僵尸气，令人作呕，而那些曾经大肆流行的所谓流行书风，就是胡闹，不提也罢。
中国的美术界文化程度普遍低。过去是那样，现在也是如此。从进人的那一关开始，招人的品行和文化层次就决定了以后的产品：虚狂和低格调。所以，中国的美术匠气十足，盲目跟风。和传统的小家子的文人画品味一脉相连，那怕现在他们能熟练地操作西画技巧。中国人的画能够反映现实生活的丰富表层，也就很不错了。无疑，齐白石的画是做到了这一层的。至于涉及深层审美意识，无论现在还是过去，这个圈子天生的缺少这种底气，因为这是由这个圈子里的人的品行和文化层次决定了的。
西画和国画审美意识完全不同，前者求真，反映的是科学精神，后者求意，反映的是传统文人的情调。
西画代表人物，拉菲尔，米开朗基罗，达芬奇等所代表的审美意识是中国传统文人的审美意识所望尘莫及的。比加索说的话不能太当真。
绘画的本质就是复制自然。因为自然的美是绘画技术所不能完全再现的，西画同样也做不到，更不要说国画了。另外，摄影艺术也同样做不到。所谓的“艺术源于生活，又高于生活”只是一种自我的包装，当不得真的，所以，从纯价值尺度看，求真的西画肯定高于写意的国画，因为那更接近绘画的本质。国画本质上也是复制自然，只是技术手段比不上西画而已。所以，只能追求写意，正因如此，国画框框套套太多，已脱离了绘画的本质，成为国画自身的障碍，这也是中国文人的品味所决定的，如看国画就看字这种论调就一种。抛弃纯价值尺度，国画作为一种小家子气的画种有它特定品味和审美受众，也算是一种风格，从这点上讲，有其自身独特性，可以成为与西画并例的一种风格，仅此而已

Ⅲ 中国画一般的鉴赏方法

赏析的基本方法

中国画的鉴赏按科分，各有鉴赏重点

山水画：一看笔墨，二看大势，三看气韵。

人物画：一看笔墨，二看造型（形态），三看神韵。

花鸟画：一看笔墨，二看形神，三看赋彩。

中国画的鉴赏，如果按欣赏的距离说，要把握住近看笔墨，中看构图，远看气韵。

说得具体一点，可操作性一点，即：一二步看笔墨，四五步看构图（大势），八九步看气韵。

看笔墨主要是看笔触美不美，笔力是否遒劲，力能扛鼎。墨色是否充盈华滋，是否浑然一体。

看构图主要看大势是否得体，有气势，是否新颖。

看气韵主要是看是否形神兼具，生动放逸。

(3)国画赏析扩展阅读

中国画的特点

中国画有着自己明显的特征。传统的中国画，依南朝谢赫的古画品录评论：

讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉。

讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。

讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响。

讲究空白的布置和物体的“气势”。

可以说西洋画是“再现”的艺术，中国画是“表现”的艺术。

国画是要表现“气韵”、“境界”。

绘画的工具

“笔墨纸砚”是中国古代文人不可缺少的工具，号称“文房四宝”，其意义不止于书写绘画方面，中国文人对其给予了深厚的文化内涵和感情，历代文人书画大家和笔墨纸砚相关的故事举不胜举。

笔

毛笔是中国所创，并影响到朝鲜，日本，等亚洲广泛地域的传统书写习惯。毛笔分硬毫，软毫和兼毫，硬毫以狼毫（黄鼠狼尾）为代表，软毫以羊毫（山羊须）为代表，根据写字绘画，种类，以及个人习惯的不同，用笔也不一样，羊毫柔软，狼毫刚健，兼毫柔中带刚。

中国的书法和绘画，都是与毛笔的使用分不开的。尤其以湖州（今浙江善琏）之湖笔，宣州（今安徽泾县）之宣笔，及江西进贤之笔为上。

墨

墨分“油烟”和“松烟”两种，油烟墨用桐油或添烧烟加工制成；松烟墨用松枝烧烟加工制成。古代徽州所产之墨，历来为文人所喜爱，徽墨有金不换之美称。

颜料有两种，使用起来会产生不同的效果，其一种是植物质的，如花青、滕黄、胭脂、牡丹红等，性能是透明、质细，但年久会褪色；另一种是矿物质的，如朱砂、朱漂、头青至三青、头绿至三绿、赭石、石黄、白粉等，性能是不透明，有覆盖力，年久不褪色。

纸

中国画用纸种类广泛，如宣州所产宣纸，四川的皮纸，河南禹县布纸、湖南来阳棉纸等等，推而广之，不但是纸，绫，绢等织物都是绘画的材料。

但宣纸种类多，产量高，品质好，其特性将国画要求的笔墨神韵能最好的发挥出来，且较绢等价格便宜，故宣纸几乎已成为国画用纸的代名词。

宣纸分生宣和熟宣两种。熟宣是用矾水加工过的，水墨不容易渗透，在上面可以工整细致地描绘，反复地上色，因此像绢织物一样，适合于画工笔画；生宣是没有经过矾水加工的，水墨容易渗透，落笔为定，无从更改，而且渗透开来，能产生丰富的笔墨变化，所以写意画多用生宣。

砚

砚是磨墨用的。要求细腻滋润，容易发墨，并且墨汁细匀无渣。砚以安徽歙县之歙砚，广东端溪的端砚，甘肃的洮砚、及山西的澄泥砚、最为名贵，号称四大名砚。常有古人为求一方名砚，不惜倾其所有。

除文房四宝之外，印章、印泥、笔架、笔洗、笔筒、文镇等相关绘画用具还有很多，广义的文房四宝也将以上所举列入其中。

参考资料来源：网络-中国画

Ⅳ 国画怎么欣赏

欣赏和评价以齐抄白石的“袭六法”为准。
国画的优劣的标准是南齐谢赫在《古画品录》中归纳的“六法”，这是千百年来被绘画界和书法界所公认的。哪六法呢：“一曰气韵生动、二曰骨法用笔、三曰应物象形、四曰随类赋采、五曰经营位置、六曰传移模写”。
气韵兼力、格制俱老、变异合理、彩绘有泽、去来自然、师学舍短。及粗卤求笔、僻涩求才、细小求力、狂怪求理、无墨求染、平画求长”这些中国画欣赏和评价的语义，理解了你就能理解国画的精髓。

Ⅳ 一些经典的油画或者国画赏析

宋张择端《清明上河图》，顾恺之《女史箴》《洛神赋》，吴道子《送子天王图》回，周昉答《簪花仕女图》《纨扇仕女图》。五代山水：荆浩《匡庐图》、董源《潇湘图》、巨然《秋山问道图》、关同《关山行旅途》等。北宋：李成《晴峦萧寺图》、范宽《溪山行旅图》《雪景寒林图》。南宋四家：李唐、马远、夏珪、刘松年。人物画大师：李公麟、梁楷、牧溪。元四家：黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇。明四家：沈周、文征明、唐寅、仇英，就是我们知道的四才子。元代著名的水墨花鸟画家：王渊、陈琳、柯九思、王冕。宋代花鸟和元代文人画。 如果喜欢可以去看cctv播的国宝鉴赏，很好看哦

Ⅵ 怎样欣赏中国画

1、看

“四看”原则：一看气韵；二看意境；三看笔墨；四看诗书画搭配。

对人物画的欣赏要像看电影、看小说、看环画那样看其是否用笔精准，看其是否细腻传神，看其是否主题突出、故事精彩、情节感人。

2、游

对待山水画欣赏要像旅游区旅客观景一样一路仔细地观览过去。北宋画家郭熙提“高、深·平”的“三选法”，就是对待一幅完整的山水画要采取“平远、深远、高远”的办法来进行鉴赏。

3、悟

对待花鸟画欣赏要像在花园里赏花在古玩店里鉴赏古玩一样认真观赏，最后参悟出其精神内涵和表达的主题思路。

最后，简单的说说当前中国画鉴定：

一是看纸质（新老渲纸、麻纸、帛，有别于老画新画）；

二是看笔墨（是否是印刷品再添笔，现今行画有本刻水印，作坊拼图等高仿作品）；

三是看结构（是否属于拼凑成图）；

四是看绘印（书法、印章是否真实）。

(6)国画赏析扩展阅读：

一、中国画的特点

1、讲究“气韵生动”，不拘泥于物体外表的肖似，而多强调抒发作者的主观情趣。中国画讲求“以形写神”，追求一种“妙在似与不似之间”的感觉

2、讲究笔墨神韵，笔法要求：平、圆、留、重、变。墨法要求墨分五色，焦、浓、重、淡、清。

3、讲究“骨法用笔”，不讲究焦点透视，不强调环境对于物体的光色变化的影响

4、 讲究空白的布置和物体的“气势”。

二、中国画的分类

1、人物画

我国的人物画，历史悠久。据记载，商、周时期，已经有壁画。东晋时的顾恺之专尚画人物画，是在我国绘画史上第一个明确提出"以形写神"主张的画家。唐代阎立本也擅长人物画。还有吴道子、韩斡等等。都为人物画做出了的贡献。唐以后画人物画的画家就更多了，历代都有。

2、山水画

山水画(俗称风景画、风光画)，是专门的艺术学科，历史悠久。自唐代以来，每一时期，都有著名画家，专尚从事山水画的创作。尽管他们的身世、素养、学派、方法等不同；但是，都能够用过笔墨、色彩、技巧，灵活经营，认真描绘，是自然风光之美，欣然跃于纸上，其买相同，雄伟壮观，气韵清逸。

3、花鸟画

中国花鸟画多姿多彩，引人入胜。它与山水、人物画并列为中国绘画艺术的专门学科。花鸟画就广义讲，应包括花鸟、禽兽、昆虫、鱼介等。

Ⅶ 对国画作个赏析,怎么作

照片太模糊了，但能看出两只兔子间眼神沟通嘻戏的趣态。就构图而言，大面积空篮，1
留给兔子足够的活动空间，符合构图规律。2
留空处可以题词，适合做贺卡。

Ⅷ 求一篇点评国画的赏析文章

在“元四家”中，若论对后代山水画发展影响最深广的，无疑是黄公望。他年资最高，直接受教于赵孟頫，从五代荆浩、关仝及北宋李成启学，所以画的品格极高。元代画家开始以纸为画本，赵孟頫的《水村图》已见干笔皴擦，元画灵动松秀的笔墨已然初具，而黄公望享年85岁，至其晚年则纸本水墨的技法已经炉火纯青。其《富春山居图》，可以说是代表其晚年风格的经典之作。

至元四年，黄公望79岁，一次从松江归富春山居，偕好友无用禅师同行。暇日，黄公望始于山居南楼援笔作此长卷。但他经常云游在外，而画卷留在山中，只得“逐旋填札”，故“阅三四载未得完备”。无用似不放心，怕被人夺爱，便请黄公望在画中题文，明确归属。但最后何时完成，终不得而知。清王原祁在《麓台题画稿》中说是经营七年而成，但黄公望自动笔至去世也就只有七年。一幅画画了这么多年，也称得上一奇，而二百五十年后藏者吴洪裕临终前嘱家人当面将画焚烧殉葬，而其侄吴静庵趁他弥留之际于火中夺画残卷，更是旷古之传奇。至今，我们已无法确知原卷的长度，但知前《剩山图》纵31.8厘米，横51.4厘米；后《富春山居图》纵33厘米，横636.9厘米。图绘富春江两岸秋初的景色。开卷描绘坡岸水色，远山隐约，接着是连绵起伏，群峰争奇的山峦，再下是茫茫江水，天水一色，最后则高峰突起，远岫渺茫。山间丛林茂密，点缀村舍、茅亭，水中则有渔舟垂钓。山和水的布置疏密得当，层次分明，大片的空白，乃是长卷画的构成特色。笔墨上已显然取法董源、巨然，但更为简约利落。山石的勾、皴，用笔顿挫转折，随意而似天成。将近20厘米的长披麻皴，枯湿浑成，功力深厚，洒脱而极富灵气，洋溢着平淡天真的神韵。全图用墨淡雅，仅在山石上普染一层极淡墨色，并用稍深墨色染出远山及江边沙渍、波影，只有点苔、点叶时用上浓墨，但已足以醒目。这是一幅浓缩了画家毕生追求，足以标程百代之作，无怪乎董其昌见了惊呼：“吾师乎！吾师乎！一丘五岳，都具是矣！”

我有时将黄公望与王蒙晚年的画作比较，感觉黄公望率真简约但仍具象，而王蒙则苍莽茂密趋向写意。这是两种不同的风格，并无优劣之分。苍莽而写意，难以捉摸，故王蒙的画难学，明清两代几乎没有得其真传者。而黄公望的简约而具象，似乎很合文人画家的心意。经董其昌倡导，清初“四王”的努力耕耘，黄公望的画风终于风靡清代将近三百年之久。但是每一个大画家的画风，都是极具个性的，并不适合被当作共性去扩散。后人怪罪“四王”将艺术创作“符号化”，殃及六百年前的黄公望，这也许是大半辈子以算卜为营生的黄公望怎么也不可能预算到的吧。

Ⅸ 如何评论\欣赏国画

菊花
秋丛复绕舍似陶家，遍绕篱制边日渐斜。
不是花中偏爱菊，此花开尽更无花
离思五首

自爱残妆晓镜中，环钗漫篸绿丝丛。

须臾日射燕脂颊，一朵红苏旋欲融。

山泉散漫绕阶流，万树桃花映小楼。

闲读道书慵未起，水晶帘下看梳头。

红罗著压逐时新，吉了花纱嫩麹尘。

第一莫嫌材地弱，些些纰缦最宜人。

曾经沧海难为水，除却巫山不是云。

取次花丛懒回顾，半缘修道半缘君。

寻常百种花齐发，偏摘梨花与白人。

今日江头两三树，可怜和叶度残金陵三首

其一

晋家南渡日。
此地旧长安。 ( 旧一作即 )
地即帝王宅。
山为龙虎盘。

( 上二句一作：碧宇楼台满。青山龙虎盘。)

金陵空壮观。
天堑净波澜。 ( 天堑一作江塞 )
醉客回桡去。
吴歌且自欢。 ( 一作谁云行路难 )

其二

地拥金陵势。
城回江水流。 ( 江一作汉 )
当时百万户。
夹道起朱楼。
亡国生春草。
离宫没古丘。
空余后湖月。
波上对江洲。 ( 江一作瀛 )

其三

六代兴亡国。
三杯为尔歌。
苑方秦地少。 ( 少一作小 )
山似洛阳多。
古殿吴花草。
深宫晋绮罗。
并随人事灭。
东逝与沧波。 ( 与一作只 )
春

Ⅹ 如何解析欣赏中国山水画

山水画是国画门类里面技法最成熟、成就最高的画种，也是藏家投资收藏的首选画种，因此具备一定的山水画鉴赏知识，是一项必修课。

可以从以下六个方面来加以识别：
1
从构图来看
与风景照片相比，山水画的构图是经过画家苦心经营的。因此一幅好的山水画，必须有好的构图。好的构图一般要符合以下两个规律：

1、对立统一规律。体现在形式上有宾主、呼应、虚实 、疏密、开合、藏露、节韵等关系。
▪ 宾主——构图要主次分明，不能喧宾夺主。
▪ 呼应——画中一切物体（包括题款和印章），都要互相关联，有呼有应。这样才能气脉贯通。
▪ 虚实——传统山水画常把云和水作留白处理。白与黑，空与物，白与灰，灰与黑，就是虚实的对比。但实处要实而不塞，要透气，要有“活眼”。如无中间的“活眼”，就是一盘“死棋”。虚处要虚而不空，即使是空白，也要让它表示一种实体，既所谓“计白当黑”，这样才能“虚实相生，无画处皆成妙境”。

▪ 疏密——山水画构图最忌均匀整齐，古人说：“疏处可走马，密处不通风。”这样才能变化多姿。
▪ 藏露——画要给人留有想象的余地，一览无余，就没有情趣了。因此作画要善于运用“藏”的方法。郭熙说：“山欲高，尽出之则不高，烟霞锁其腰，则高矣。”“藏”，使人感到高深莫测，从而给观者想象的空间，这就是“藏”的妙用。
▪ 开合——开与合是相对的矛盾。有对立，画面才生动。开而不合，就会显得不稳和散乱。有开有合，才能相对稳定。
▪ 节韵——即节奏与韵律。一幅好的山水画，是有节奏美和韵律美的。这不仅体现在勾、皴、擦、染、点等笔法的运用上，也体现在整体的布局上，既要有变化又要有规律。

2、透视规律。西洋画一般采用“焦点透视”，中国画采用的是“散点透视”，也叫“移动透视”。“焦点透视”就象照相一样，观察者固定在一个立足点上，只能把视域以内的东西拍摄下来。“散点透视”则是移动着立足点来进行观察的，所以不受视域的限制。把中国山水画的透视归纳为“三远”，即“高远”、“深远”、“平远”。值得注意的是，在一张山水画中，往往是“三远”综合运用的。
▪ 高远—— “自山下而仰山巅，谓之高远。”也有一种说法叫作“虫视”，即故意把自己放在低处，看什么都是高大雄伟、气势磅礴，这种透视法宜于描绘崇山峻岭。

▪ 深远 ——“自山前而窥山后，谓之深远。”这是站在山前或山上远眺，并要移动视点才能看到的景象。这种透视法宜于表现幽深的意境。

▪ 平远—— “自近山而望远山，谓之平远。”这是在“平视”中所得的远近关系。宜于表现坦荡开阔的南方山水。

2
从笔墨来看
用笔与用墨，是学习国画首先要解决的的问题，是最能体现画家功底的问题，因此也是识别一张国画优劣的最主要的依据之一。
1、用笔。中国画的造形达意，是以线为主来表现的。因此看一幅国画用笔的好坏，主要是看这幅画中线条的好坏。古人提出“书法用笔”，即要求画家在作画时要象写书法一样用笔。黄宾虹总结了前人的经验，提出了“五笔”之说，即“平、圆、留、重、变”。
▪ “平” 是指运笔时用力均匀，起讫分明，笔笔送到，要“如锥画沙”。
▪ “圆” 是指行笔转折处要圆而有力，不妄生圭角，要如“折钗股”。
▪ “留” 是指运笔要含蓄，要有回旋，不浮不滑，要“如屋漏痕”。
▪ “重” 即沉着而有重量，要“如高山坠石”。
▪ “变” 一是指用笔要有变化，中锋、侧锋、逆锋、顺锋，根据需要随机应变；二是指运笔要彼此相让，互相呼应，气势连贯。宋代韩拙提出：“用笔有三病：一曰板、二曰刻、三曰结。”所谓“板”，是指线条扁平，没有圆浑的立体感。所谓“刻”，是指笔划过于显露，妄生圭角。所谓“结”，是指行笔犹豫，线条不流畅。其他还有枯、弱、光滑、草率等，都是山水画用笔的病忌。

2、用墨。墨色的变化，有“五彩”之说，即“焦、浓、重、淡、清”；也有“六色”之说，即“干、湿、浓、淡、黑、白”。不论是那种说法，无非就是讲墨色的变化多端。山水画用墨有三要：厚，透明，丰富。
▪ “厚” 就是感觉要厚重而不轻薄。
▪ “透明” 就是层次要清楚，不浑浊，不僵化。
▪ “丰富” 就是指墨色多变，层次丰富。总之，看一幅山水画的用墨好不好，主要是看用墨是否有变化、有韵味，层次是否清楚、丰富，能不能表现物象的立体感、质感和远近的空间感。
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从用色来看
传统国画着色多从物体固有的本色出发，很少考虑光的影响和变化，所以用色相对西洋画来说比较单纯，具有清新明快的特点。根据山水画不同的种类，用色的要求也有所不同。
▪ 在淡彩山水中，以水墨为主，色彩只起辅助作用，用色要求“淡雅”、“清透”。要“墨不碍色，色不碍墨”。即墨足之处用色要清淡、透明，不让色覆盖了墨；浓的色彩要用在墨少之处，不让墨破坏了色的清丽。这样，二者才能相得益彰。
▪ 在重彩山水中，用色要求浑厚凝重而不腻浊，清丽鲜明而不单薄。
▪ 在泼彩山水中，用色要求色墨浑融，变化丰富，不脏不浊。
不管是淡彩、重彩还是泼彩，用色都要有一个主调，不能混乱、花俏。但在主调中又要求变化，不能单调、呆板。总之，既要有对比又要和谐统一。

4
从表现各种物象的技法来看
山水画的技法很多，使用哪种技法，因物而异，因人而异，因画而异。看一张画中的技法用得好不好，主要是看这种技法在这张画中，是否能充分表现对象的“形”与“神”，是否能充分表达作者的“意”。

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从意境来看
好的山水画，要有美的意境。意境是山水画的灵魂。一幅画，必须给观者留有联想和再创造的余地，能使观者受到感染并引发自身生活感受的共鸣，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水画意境的类型，可分为三种情况：

▪ 以景胜 这类作品比较注重写实，以真实感人的空间境象构成意境，把理想和感情融入实景之中，主要是通过境象自身诱发观者联想。它类似于诗的“无我之境”。这类画，在古代山水画中以宋画居多。
▪ 以意胜 这类作品比较注重写意，富有个性和情致，更明显地流露出对主观情感的表达，所塑造的空间境象，更多地具有了“意造”的成分。对于“形”则要求“在似与不似之间”。它类似于诗的“有我之境”。这类画自元代以后，逐渐成为山水画的主流。
▪ 意与境浑 这是感情与形象高度结合，达到“情景交融”、“天人合一”的境界。王国维说：“至意境两浑，则唯太白、后主、正中数人足以当之。”可见对于诗来说，这是意境的最高境界了。而对于画来说，当是画家神来之笔的得意杰作了。

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从“画外功夫”来看
所谓“画外工夫”，是指画家除了绘画以外的，其他方面的修养。一幅好的山水画，常常是诗、书、画、印的完美结合。从画的落款和印章上，可以看出作者在文学、书法和用印等方面的修养。