台词中急换气

1. 唱歌时怎么换气

唱歌换气可注意以技巧：

1、大换气：深深的吸气，吸足气后再唱下一句，比如内运用到很长的乐剧中容。

2. 唱歌的发声技巧、怎么换气呼吸

唱好歌的前提：给自己足够的信心！这是任何唱歌技巧和发声方法都弥补不了的！

很多人认为嗓子的好坏是天生的，乐感更是天生的，觉得自己的嗓子条件不好，声音不好听等等，这种观点无疑是给歌唱爱好者头像了心理上的阴影，这种观点的危害性首先子啊于它否定了歌唱者的主观能动性，第二是扼杀了歌唱者可能存在的潜在能力，自从卡拉OK兴起以来，革命队伍日益壮大，原先被判为“五音不全”，“缺乏音乐细胞”的人也敢一试歌喉，歌唱爱好者都有一个很关注的问题，那就是自己的嗓子究竟是好是坏？朋友们：在这里我可以真诚的告诉大家，不要被表面的“好听”和“难听”的现象所迷惑，嗓子是可以改造的，可以通过方法来改变，只要把自己的嗓音潜能发挥出来，条件就不是绝对的了。

下面是我摘录“新艺声传媒”的资料，那里有很多免费唱歌资料的，对唱歌技巧感兴趣的朋友不能错过了。
声乐艺术是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。 每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。
一、歌唱发声练习的目的和要求
歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有 规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良 好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。 我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平 时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的， 而不是简单的“开开声”而已。
歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌 唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。 因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：
1）每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法（即横隔膜的呼吸方法）， 因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确 呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。
2）打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关 键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位 置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。
3）要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经 过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分 不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽 腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个 声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。
4）正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活 运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。
5）在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等 全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。
6）在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。
7）在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的 歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。
8）从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌 肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活 力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我 们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互 促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。
二、歌唱发声练习的步骤 歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。
第一阶段
以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论 哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐 学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达” 的道理。
第二阶段
是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区（即换声区的 训练），为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比 较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区 的练习。
第三阶段
即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域， 做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个 声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣， 从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。
三、歌唱发声练习的起音
发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或 “起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、激起声
是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振 动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这 种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、软起声
软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。 这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中 也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应 的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、舒起声
舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在 劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病， 在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同 类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
四、歌唱发声练习曲
练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母 音混合音，也可以用音阶的音名1234567等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练 习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的 机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此， 并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习 阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音 阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元 音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。 但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要 多动脑子，善于思考这些唱歌技巧和发声方法的精髓，千万不能一个劲地傻唱。
1、“哼鸣”的基本练习
一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、 集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉， 感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。
2、母音的练习
除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混 合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。
3、连音练习
人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有 连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽
些，练习也可以随之难度更大些。
4、顿音练习
顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注 意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。
5、连音和顿音结合的练习
在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于 歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置 统一，并保持气息均匀流畅。
6、保持共鸣位置不变的练习
在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共 鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使 声音上下统一。
7、声音灵活性的练习
这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息 的配合。
8、结合字声练习（带词练习）
要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求 做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。
9、练声注意事项
1）要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以 后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱， 容易使歌唱器官受损。
2）在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨 慎，不要唱不适合自己的曲目。
3）每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。
4）练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。 声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”更多联系唱歌技巧和发声方法去“新艺声传媒”下载。希望能帮助大家唱好歌！

3. 合唱时怎么克服换气的问题

日常身心平静时的呼吸是无意识而较浅的，激烈运动或者情绪紧张时呼吸会自然加深。歌喉时属于较探的呼吸，是有意识、有控制的，而且更深沉，腹部的活动更积极。但这并不是说把注意力都集中在呼吸上面，而是体会这种正确的活动状态，以适应演唱的需要。 歌唱时的呼吸是口鼻同时进行的。口腔内部打开．软颚提起，面部提眉，两肋及腹部扩张，根自然就完成吸气过程了。区别于其他呼吸活动的是要把这种状态维持住，用以准备发声，并且支持整个歌唱过程。脑子里想着这种“吸”的状态．结合感情进行歌唱，就能产生富于感染力的纯净而嘹亮的歌声，这种感觉始终不能松懈而要贯穿始终，演唱进行中的呼吸千万不能放松这种状态： 2、吸气著名的音乐教育家杨鸿年教授讲过:“歌唱艺术由四部分构成：气、声、字、腔。呼吸是歌唱的原动力。但不要以为气吸得越多越好。吸气要适中，该多就多，该少就少，最好不要用过量的气息演唱很长的句子。要让孩子具体地感觉到，吸气象闻花，就是很好的比喻，吐气象是血压水银柱慢慢下降，急吐气，象秤砣掉下来。”歌唱的吸气是通过鼻和口腔同时进行的，单用鼻子吸气是不够的，快吸时也来不及。吸气时，口腔稍打开，硬、软腭提起，并与提眉动作配合，口、鼻同时吸气。人们在**常生活中有“打呵欠”的现象，细心体会“打呵欠”的过程，就会感觉“打呵欠”的最起始阶段是一个很舒展的吸气过程，这种吸气是小腹微收，上腹部和腰围向外膨胀，而且有头顶和耳内欲张开的感觉。同时，还使人有一种从头顶至腰围，以至整个上身都充满气息的感觉。这种吸气感觉是非常符合歌唱要求的。“打呵欠”的动作，只是作为一种体会歌唱吸气动作的诱导练习，帮助学生体会“只有使上腹部、腰围、两肋舒展地向外松开，气息自然流入”的感觉。 3、呼气呼气时，两肋收缩，胸廓缩小，膈肌舒张，膈肌（中心腱）位置上升，使胸腔的上、下径减小，肺的容积缩小，使气体排出，完成呼气过程，呼气时，排出的气体形成的气流，就是歌唱发声的动力——气息。在自然呼吸时，呼气动作也是自然的、放松的、胸腹部自然恢复原状，而歌唱时的呼气（即歌唱），却是有控制的，必须保持吸气感觉和状态，才能使声音有气息的支持。还要依据歌曲感情的需要，真情、通畅地把气排出，这时歌唱者的腰围仍有扩张感样向上顶着，任何时候都应是松畅的，既使在唱强音、高音时，也要靠加强气息的弹力、流量、流速来完成。在训练时，我采用了他们能够理解并完全可以做到的方法进行练习。练习一：用“S”练吐气，分匀吐、急吐、停顿等。这个练习可以让孩子找到保持气息的感觉。而且，有一个人气不稳，就会出现“咝咝”声，便于纠正。练习二：（选做）让同学们拿张小纸片，放在嘴边轻轻吹，当纸片倾斜不动时，说明气息比较稳。如果纸片晃动幅度较大，说明学生气息不稳。 4、换气换气是歌唱中十分重要的一环。换气不仅是保持歌唱气息的需要，也是表达感情的需要。人在不同的情绪下，讲话时的气息状态不同，换气也不同，并与情绪相一致的。激动时，气息很有弹力，换气短促、强烈。忧伤时，气息平缓，换气就深沉、缓慢。同样，歌唱时也要带着歌曲的感情来换气，使换气和表现歌曲的内容融为一体，切不可因换气割断歌曲的连贯和完整。首先要选择恰当的换气点。恰当的换气点是依据节奏、旋律、句法等来确定的，一般为一个乐句结束换一次气。遇到大的乐句，以每一小乐句结束时换气。有时因句子太长或初学者因缺乏气息训练，也可在乐句中换气。歌唱时应尽量少换气，能一大乐句换一次的就不要每一小乐句换一次。尽可能不要中间“偷气”。这样才能保持句子连贯、完整，感情表达充分。只要加强练习，是不难做到的。还应注意克服不顾词意的完整性，在曲子的最后一个字之前换气的作法。同时换气切勿浅换，即能听到明显的吸气声的换气。无声的、腔体打开的、深沉的丹田之气是合唱换气的要求。 5、循环呼吸整个合唱团的呼吸和分句都要统一，特殊的高音，延长音或破句的呼吸尤其要由指挥指示并经过练习。有一种特殊的合作技巧，训练有素的合唱团才能掌握好，就是“循环呼吸”。 简单地说，就是合唱队员轮流换气，使合唱音响不间断，没有句逗间隙，刻画一种连绵高远无垠的意境。例如《在那遥远的地方》的结束句部分就可以采用“循环呼吸”技巧。使用这种方法时要求队员们具备破句呼吸的能力，可以在任何瞬间退出演唱，又可以不动声色地悄悄介入。关键是把歌唱的生理和精神状态保持住，共鸣位置不动，呼吸时不闭口。还要努力倾听邻近同伴的演唱，别人正在换气时自己不能同时呼吸，待别人完成呼吸重新加入演唱时，顺着集体的音响动势不露痕迹地收住声音，两肋微张，腹部扩张，吸气后再同样加入演唱．对于训练有素的合唱队员，这是一个时间极短的过程。使用这个方法，合唱团的一个声音可以无限制地延长，这是独唱演员无法做到的，为了突出循环呼吸的艺术效果，指挥往往要求队员们在通常句逗之处不要换气，使句子之间的进行动态更加天衣无缝。 循环呼吸时需要注意的问题： 一、弱进弱出原则：换气前，应该有意识fade out；换气后，有意识地fade in。这样可以避免出现合唱队员的声音“冒”出去。 二、元音相同原则：换气前与换气后的口腔状态注意保持元音相同，不要滑向其他元音。这样可以避免出现咬字和音色的改变。 三、无声换气原则：尤其要控制住吸气时可能发出的任何杂音，不能让听众发现在交替换气。 四、换气时机问题：并不适合作循环呼吸的地方要格外注意；不同的作品、每个声部的人数的不同都需要单独地对循环呼吸的时机进行一些必要的分析。优秀的合唱团的循环呼吸是非常讲究的。循环呼吸的换气时机可以作为一个课题来专门研究。 如Tallis Scholars（塔隶斯学者合唱团）的循环呼吸就做得很完美，在演唱早期作品时，他们常采用在配合上最艰难的2人一声部的配置，注意到他们的队员会选择乐句最“模糊”的地方进行循环呼吸，或者乐句中非逻辑重音单词前的一瞬间进行循环呼吸。 以上要求仅适合较高级程度的合唱团，如果合唱团还没有到达这样的程度，建议先不要在循环呼吸上有过高的要求，以免在技术要求上“喧宾夺主”。 6、腹式呼吸腹式呼吸是让横膈膜上下移动。由于吸气时横膈膜会下降，把脏器挤到下方，因此肚子会膨胀，而非胸部膨胀。为此，吐气时横膈膜将会比平常上升，因而可以进行深度呼吸，吐出较多易停滞在肺底部的二氧化碳。练习方法：右手放在腹部肚脐，左手放在胸部。吸气时，最大限度地向外扩张腹部，胸部保持不动。呼气时，最大限度地向内收缩腹部，胸部保持不动。循环往复，保持每一次呼吸的节奏一致。细心体会腹部的一起一落。经过一段时间的练习之后，就可以将手拿开，只是用意识关注呼吸过程即可。腹式呼吸呼吸过程不要紧张也不要刻意勉强，如果是初学者就更应该注意练习的过程和对身体的影响，吸气时，感觉气息开始经过鼻腔、喉胧充分的集中于肺部，当肺部容积逐渐增大，而保持胸廓不动，就会迫使横膈腊下沉，同时腹略向外鼓起；呼气向内收回腹部，横膈膜向上提升，使大量浊气呼出体外。把腹部当皮球，用鼻吸气使腹部隆起，略停一两秒后，经口呼出至腹壁下陷。每分钟大约有五六次即可。一般每日两次，在城市可选在上午10时和下午4时，每次约10分钟。腹式呼吸的关键是：无论是吸还是呼都要尽量达到“极限”量，即吸到不能再吸，呼到不能再呼为度；同理，腹部也要相应收缩与胀大到极点，如果每口气直达下丹田则更好。注意事项：第一，呼吸要深长而缓慢。第二，用鼻吸气用口呼气。第三，一呼一吸掌握在15秒钟左右。即深吸气（鼓起肚子）3—5秒，屏息1秒，然后慢呼气（回缩肚子）3—5秒，屏息1秒。第四，每次5—15分钟。做30分钟最好。第五，身体好的人，屏息时间可延长，呼吸节奏尽量放慢加深。身体差的人，可以不屏息，但气要吸足。每天练习1—2次，坐式、卧式、走式、跑式皆可，练到微热微汗即可。

4. 关于唱歌中的换气

吸入气后唱歌时，气是不是全部呼完了再吸第二口啊？不是，应该是吸一口的回一半，然后答再吸吸一口，气足！
在吸第二口气时，是利用句与句之间的空隙马上吸入，还是唱下一句的时候边唱变吸入啊？不是，如果是前者的话，感觉时间也太短了，来不及啊 肯定来不急，所以用：
应该是吸一口的一半，然后再吸吸一口，气足！

5. 唱歌换气的技巧

1、常常调节气息，深呼吸，在不断吸气和呼气中掌握音乐的韵律感。鼻音重，一般是没有真正的掌握了歌唱的技巧。选择腹式呼吸法来进行歌唱，能够更好的掌握唱歌换气的方法。

2、唱歌用气时，仍要保持吸气状态。这点很重要，就好比给自行车打足了气，不能一下子放松了，可以尝到中间卡住然后巧妙的换气。这里还有一个保持呼吸的问题，要保持住气息，就必须在唱的过程中永远保持吸气的状态，控制住气息徐徐吐出，要节省用气，均匀地吐气，这就是所谓气息的对抗。

3、唱歌时要有持稳定的气息支持，鼻咽腔尽量打开，呈微笑状，开始按上述方法练习。注意发“气泡音”所用的气息不能过猛过大，不能主动地绷紧声带和颈部用力，气息是集中的，所以发出的声音应该具有明显的质感。

4、学会发音。经常练习发音技巧，加强发音技巧的练习，可以有效提高自己歌唱发音的标准，从而快速掌握发声的方法，让自己的歌声更动人。

5、再次旋律视唱练习。所谓单旋律训练，就是每个声部分开来训练，等各个声部的旋律熟悉以后再合在一起训练，这样有助于避免声部间出现旋律互跑、轻松换气的问题。

(5)台词中急换气扩展阅读：

1、在唱歌过程中合理的利用气息的更换，不随意的浪费气，让气变得更加的持久。在平时的生活中可以多做做拖长音的练习，这样在歌唱时能采掌握换气的方法。

2、在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。

3、唱歌在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”。

6. 朗读要怎么换气

用嘴巴来读，用鼻子来呼吸。一口气用完或者读完一段之后，就把嘴巴闭上，这样气就通过鼻子吸气而充满了。另外需要说明的是，如果刚刚训练这种方法，抿嘴的时间相对会长一些。

这时候不要急着开口去读，如果有别人一起读，就用耳朵听别人读，自己嘴巴虽然跟不上，但念头上还是跟着。等自己张嘴的时候，就自然而然的跟上去了。

尽一口气读下去「大学之道，在明明德，在亲民，在止于至善」，读完了就把嘴巴抿住，抿住了嘴，会很自然用鼻子吸气，并且很快把气充满了。

气充满之后，再读下一句「知止而后有定，定而后能静，静而后能安」，如果这时候一口气用完了，那就再次把嘴巴抿住，等到气充满了之后，再往下读「安而后能虑，虑而后能得」。如果非要根据句号，一直往下读，而气又接不上，那很容易伤气。

(6)台词中急换气扩展阅读：

在朗读中注意力集中，排除干扰，全力以赴，把全部精力都倾注在朗读中，倾注在朗读的作品中，这是很容易理解的。 所谓进入作品，就是把作品内容、语言，化为自己的理解、感受，化为自己的思维过程心理活动。

要主动去揭示语言本质及逻辑链条，要设身处地、寓情于景，加强形象感受；要尽力引发思想感情的运动状态，紧紧抓住与听者的对象交流；要在整体运筹之中具体加以把握。这样，朗读都就没有心力去考虑其他，连注意的边缘也少有兴奋点的干扰了。

7. 唱《李白》高潮时，该怎么换气呢！唱的都上气不接下气的，求指点啊

这个……李来荣浩的？要注意气息源，气息要稳，唱之前储好气。而且李荣浩的歌比较低，注意发音时用真声。可以试试发声长度练习，长长的“呜——“，控制长度和气息平稳。这首歌多听听，注意高潮部分李荣浩的停顿处，换气要急且足。这首歌还真不难唱，音也不高，这个是我唱这首歌的理解吧， 拙见。

8. 转载 唱歌时如何 换气 引 详细

转载 唱歌时如何 换气 引 把你会唱的歌放慢一半的速度来唱，每天练每天练。练上两个月，到时候再按原来的速度唱，最后你会觉得唱歌比说话还轻松 还可以同时试试:一口气说很多话，或者表达你歌曲中的一个全句(即便可能有点稍微憋的慌)。每个字要保证有情感和该有的弹性。让人听着清晰和自然。练熟了之后，每个字的强弱、真假、音高也可以在一口气里边随意试试。 练习一口气下的发声弹性与连续性，气息的集中度与气息利用的效率会大增。逐渐，你可能会觉得并不是很憋气就能唱很多的字和表达整句的意思，而且字字的变化与连续性随心且轻松多了。那时，句句之间的换气，也会很有弹性与自然和舒服的。 呼吸肺是容纳空气的器官，亦是我们取得原动力来歌唱的地方，所以在容量方面是越多越好， 我们可以用吸满气的方式来增加它的容量。大多数的人，从来没有达到吸满气的程度，原因是往往误解 了肺的范围--以为肺在胸口部分，而忽略了其他的部分。其实肺的四周由肋骨包围着，肋骨的作用是 保护肺，有肺的地方就有肋骨，我们可以用手摸到肋骨，也等于摸到了肺。让我们先由胃的上部，找到 最低两根肋骨分支的地方，用手指分向左右，沿着肋骨向下摸，我们会发现这两根肋骨一直延伸到腰部， 我们对肺的范围，就有一个印象了。肺的顶端叫肺尖，以下叫肺叶。肺叶部分比肺尖部分大，也就 是说肺的下半部比上半部大。在它扩张时，亦复如是。肺的四周既为肋骨包围，当然很难向四周作大的 扩张，唯一能扩张较大的是它的底部，但在它的底部下面有一片强有力的肌肉横膈膜，它的作用是控制 呼吸的，在静止时是向上凸起的弧形，吸气时，由向上的弧形变成向下的弧形，即吸气时下降，呼气上 升。横膈膜的下面是胃，胃要先下降，横膈膜才能下降。但是胃下面是肠，没有地方给胃下降，于是腹 部要向外凸出，胃才能下降，呼吸的过程就很明显了。它的程序是:吸气(1) 腹部向外突出 (2)胃下降横膈膜下降呼气(1)腹部向内收进(2)胃上升横膈膜还原以上的呼吸动作， 我们称之为腹式呼吸。虽然呼吸是由横膈膜控制的，但我们不可能做到人为地控制横膈膜，所以只能用 控制腹部来完成。我们懂得如何控制腹肌，就等于控制了呼吸。现在以皮球打气筒为例。我们在打 气时，先将活塞柄拉下，然后推上。拿来和呼吸对照，则活塞柄等于腹肌，活塞等于横膈膜，筒身等于 肺，我们也可明白气的出入是由活塞控制，但活塞却是由活塞柄控制的。用腹式呼吸，是不能一次 将整个肺部吸满气的。我们下半部的肺是跟着呼吸膨胀和收缩的，但上胸部却无此必要，因为上胸部是 一个主要的共鸣箱，要经常保持它的形状，何况我们唱歌时，只用到肺中的一半的气就够了，很少用到 上胸部的气。一般不懂得腹式呼吸的人，经常在用胸部呼吸，在唱歌时，也在用着上胸部的气，以致使 上胸部经常要把气挤压出来而受伤。我们只要在未吸气之前，先使上胸部充满了气，那么吸乞时就自然 会使肺的下部充满气了。使上胸部充满的方法很简单，只要在吸气前挺起胸就行了。在唱歌时，一般只 用下胸部的气，用完了立即换气。除非有时要表现一种特殊的技巧，而多用一些气时，才会用到上胸 的气。其实我们每一个人，都在不停地用腹式呼吸，只是没有去注意罢了。试平卧在床上，不用枕 头，将手放在腹部，全身放松，就会感觉到腹部在上下的运动，那就是腹式呼吸。 2、发声人声是空气经过声带的空隙而发出的，声带是呈V 形的两片薄膜，富有弹性。吸气时，完全 张开，发声时部分合拢，空气由夹隙中挤出时与声带发生磨擦，从而发出声音，它的发音不是主动的， 而是被动的。原理和用嘴唇吹喇叭相似。我们试用嘴唇作吹喇叭状，先用少量的气来吹，嘴唇就会缓慢 震动而发出"卜卜"声，这时的嘴唇很松，然后再大力吹，嘴唇就会自动收缩得很紧而发"吱吱"的声 音。"卜卜"是低音，"吱吱"是高音。所以声带和嘴唇一样，发音的变化是由气压控制的，我们要控 制声带，必先控制气压，控制气压，必定要控制呼吸。3、共鸣任何乐器都必须有共鸣箱来增加 它的音量，我们的歌声也不例外，它有三个共鸣区，那就是胸腔共鸣、鼻腔共鸣和头腔共鸣。胸腔共鸣 是指我们的整个肺部也叫基本共鸣，它是我们无论唱什么音(由低音至高音) 都不可缺少的。我们试唱 一个很低的音，将手放在胸部，就会感觉到震动，再将手放在背部，也可以感觉震动。由此我们知道， 唱出的声音，并非单由口中发出，而是由整个肺部发出，再加上鼻腔共鸣。鼻腔共鸣是指它两旁的鼻窦 起共鸣。这里我们不要把鼻音和鼻腔共鸣混为一谈。那怎样分别它们呢?试用手捏住鼻子，然后唱出 C 调的solasido,如果感觉到鼻塞，唱不出，那就是鼻音，如果捏住了鼻子照样地自由发音，那就是 鼻腔共鸣了。头腔共鸣是指我们的头部而言，高音声部的人 (Soprano,tenor)唱至f2 音高时即要转 入头腔。低音声部的人(Alto,Bass)在至降e2 即要开始转入头腔。我们京剧的老生在唱高音时，有所 谓脑后音，那即是头腔共鸣了。头腔共鸣不易感觉到，因为震动太快。唯一能感觉到的是当你在唱高音 时，忽然会感觉到头昏，那即是说你已用到了头腔共鸣了。发音的基本原理一个没有经过训练 的，唱歌发音的方法跟平时说话的发声方法是一样的:将声带拉紧。这种发音方法在唱高音时，为了 获得大的间量，必须用加大气息的方法冲击声带，使本来就拉紧的声带巨烈振动。如长时间使用这种方 法唱歌，就会感到喉咙发紧，嗓音渐嘶哑，嗓子感到劳累，长久下去声带会经常充血，还会产生各种病 变。从低音唱到高音时，通常便用不同的发音方法，而且在改变方法的时候声音自然，不给人听到 有突然改变的现象，这样才算是掌撑了正确的歌唱方法。nbsp;这种正确的发音方法就是咽音 发声法。所谓咽音发声法就是指在发高音的时候，将咽腔调节得又细又长而声带的振动反而减弱， 只是发边音与风音而已，而这种微弱的边音都能在咽腔内产生强大的共鸣，从而便音量得到提高。 而声带的负荷并没有因发高音而加大，所以并不感觉到疲劳。我们的咽腔就好比笛子的笛腔， 而且比笛腔更灵活，不仅长短可以控制而且粗细也可以调节。而问题在于如何控制好我们的咽腔让它随 着音高游刃有余地运动，而且能像笛腔一样坚硬有力，长时间站得住而不累。这点可不是轻而易举 就能做到的，因为它有悖于我们自然的发声方法，需要训练我们不经常使用的肌肉，而平时说话时用 到的肌肉都让它暂时休息，难就难在这里。人人都有嗓子，人人都会唱歌，可唱出来的效果却有天 壤之别。不从事声乐专业的人对唱得好的人的结论往往很简单--嗓子好，事实不尽然。歌唱的基本 要素就是声音、乐感、技巧。作为专业训练要求的声音，通常叫作"音色" 加工。在西洋传统唱法 中，音色被放在首位，因为它有特殊的要求标准:纯度、浓度、光亮度。在通俗唱法中对声音没有如此 讲究，但不等于没有要求。即便通俗唱法对音色没有太高的要求。光以"歌唱的声音必需和说话的声音 统一"这一点而言听起来很简单，可许多人就是做不到;再以"气声"为例:这种仅属于通俗唱法 特有的发声方法在不同人口中唱出来效果完全不同，唱得好的气声有"磁性感"，唱得差的全在漏气， 无声可言。区别在哪里?前者气中有"质"，后者没得。那么通俗唱法的功底是什么?如何去训练? 西洋传统声乐的基本功在发声上是打开喉咙和集中声音(声乐术语也叫"关闭");在呼吸上建立强有 力的支持。通俗唱法与西洋传统唱法的基本功没有原则区别，不同的是打开喉咙的方式，西洋传统唱法 要求在低喉上打开喉咙，这需要经过长期的训练才能做到。通俗唱法不强调这一点。打开喉咙的具 体涵义是喉--舌的对抗，今仍有不少歌手喉咙打不开，特别是高音区，用高喉位而不造成"声道阻塞"， 这在通俗唱法中是允许的;但高喉位只要稍有"位移"，却是非常容易产生" 声道阻塞"的。在通俗唱 法中，打开的目的不是为了共鸣的需要，而防止声道阻塞。但是就效果而言，适量地打开喉咙对演唱歌 曲的效果来说是积极的。这也是欧美唱法的效果为什么比港台唱法效果好的主要原因之一。具有喉-- 舌的对抗动作产生的声音，无论力度、质感都会得到加强。所以打开喉咙这种基本功在通俗唱法的训练 过程中，地位虽没西洋传统唱法那么重要，但仍不应忽视。通俗唱法的基本功是"压缩声带"和建 立"动态下的气息支持"。在此有必要引证一段帕伐洛蒂的话来说明压缩声带的意义:"当中声区进入 高声区时，喉咙部位有一种"收紧"的感觉，这不是肌肉的力量，相反，有关有肌肉必须是很放松的， 像正在"打呵欠"一样，但你必须促使声音更压缩(Squeezed)在开始学习掌握这种感觉时，似乎 "失声"了(Socrificed)，这样使声音变化了。开始时，会经常把声音挤压破了，这是正常的，然而， 当正确的方法开始被掌握时，那就是十分安全而保险的方法了。即使一时还不能有漂亮的声音，驾驭熟 练后就会漂亮起来。"二者是一种不容易掌握的矛盾统一，因为喉咙和声带处于同一位置 (据说帕氏为解决"高音的过渡"化了六年时间)人的习惯本能是:要么喉咙和声带同时都"紧"起来 ，要不就是一起都"松"了。但只要化功夫，肯定是能够学会的，这一点下面还要详细探讨。用 "压缩声带"来发声或唱歌的原理，听起来似乎有些"玄乎"。其实并不，因为声带的形状很象人的嘴 唇，只要看到吹小号或吹笛子的人怎样吹奏这些乐器时的口唇形状，就不难理解声带在歌唱时的状态， "压缩"或"收缩"声带的涵义也变得很形象化了。另一个基本功是建立动态的气息支持。同时还 要做到声带紧--喉咙松的矛盾统一。虽然说通俗唱法最接近说话，但说话和歌唱毕竟是有区别的。主 要反映在音域上，说话音域"狭"，唱歌音域"宽"，说话有一个八度就够了，歌唱绝对不够;气息也 同样有区别，说话时用气"持续"短，歌唱时用气"持续"长。作为能源消耗量而言，说话消耗少，歌 唱消耗多。更何况歌唱有高低、强弱、刚柔之分，因而必须要建立一种能调控的呼吸机制。常见的所 谓呼吸训练法往往有三个错误倾向:1、重"吸"不重"呼"，而忘了歌唱是在" 呼气"状态下进行的 ;还怎么再能流动?歌声又如何流畅?3、"提气"与"压气"的失调:提气--压气在歌唱中是矛 盾的统一，气息是"往上的，没有气息对声门的压力，又何来声音?压气是对所提气势大小的"制动阀"， 所谓排泄式呼吸法就是把压气当成了目的，完全忽视了提气的主导作用。具体的方法是要求在收下腹和 鼓上腹同时工作，但鼓上腹的力永远不能大于收下腹的力，二者的平衡就成了"僵持"，如果光是下腹 鼓出，就成了排泄式;如果光是上腹"收紧"，声音会"憋"住而唱不出。2、重"姿势"而不重实效 ，认为只要保持两肋张开的姿态去唱歌，就是做到了有支持的呼吸，这样做的结果常常适得其反， "保持"在大多数情况下，都成了"僵持"，试问气息不流动了，能源供应停止了，声音有人说: "唱歌是呼吸的艺术。"不无道理。这对通俗唱法而言同样适用。从建立歌唱的呼吸机制，以学会控制 这种机制，是需要时间和功夫的，它毕竟和日常生活的呼吸是完全不同的。 通俗歌曲演唱技巧 1、通俗歌曲演唱的一些技巧训练一.气息训练将身体与精神放松一些，气息调整均匀，空气不要吸 入过满，不要太刻意注意姿势及口、鼻吸气的动作，因为身体状况处于常态时，外界气压大于身体内压 力，在完成正确的吸气息动作后，肺部即形成负压，空气自然进入肺部，这样在演唱时吸气迅速，在话 筒前无任何杂音。要点1.两肩摆在自己最自然的状态2.胸腔打开3.两肋及后腰自然4. 小腹及臀部注意协调性5."横隔膜"(处于腰部"水平线"的平滑肌)注意收放的节奏6.发音时 要平稳、轻柔练习上述状态准备好后，以四拍为一小节，心里数一二三四在数四的同时，将空气瞬 间吸如(空气吸入不能过满)，在下一小节的第一拍发"s"音(国际音标的"轻辅音"，声带不振 动)，在发音的过程中，身体灵活自如、意识积极，肌肉不僵硬，富有弹性、神经不紧张，不松懈。 发音时:呼吸的相关肌体组织上、下挤压肺部，当挤压到极限时，左右前后继续全方位向内挤压肺部。 向上的气流要细而稳、集中而有力。练习曲的每个乐句，气息和声音都不能间断，时间保持越长越好。 肺部的空气始终保持在肺的下二分之一处。其实通俗一些就是拉长音对气息的作用，在气息训练方面， 这也是最简单易行的方法了。二.声带训练发"s"的状态不变，舌尖稍向后移，声带立即振动， 发出一个近似国际音标"Z"(介于"zi"与"ri"之间的音)，发音时，注意力集中在声带上， 练习曲的每个音都不能脱离"声带"，并要配合已练习过的气息方法。 2、通俗唱法的基本功 1、声音必须要让听众感觉到清晰的"质感"。要做到这一点，就必须在演唱时，声音充分靠前。这种 靠前还必须是"高度集中的"。"质感"是以高度"聚焦"的形式来体现的，点子越小，质量愈高。 2、音量控制不是以放大--缩小来体现的，而是以上述这个小小的聚音点的亮--暗控制体现的， 这种技术要求的目的是为了唱者广大音量时，音质仍保持聚而不散。在减弱音量时，更不能失去"质感 "，哪怕唱气声时，仍不失去"质感"，电声再高明，只能改变唱者的音色，却无法制造出"音色"来。 3、音质产生于声带的振动，振动来自声带的张力--阻力，因而发音的"焦点"必定在声带上，西洋 传统唱法中有一句声乐术语叫做--"让声带歌唱"。帕伐洛蒂说过:"声音是从声带开始的，必须使 声带立即振动起来。"就是这个意思。4、在通俗唱法中也有一句声乐术语- -"声必须靠在声带上" 。如果说声音的出发点在嘴巴，声音就无法靠在声带上了。也就是声带的张力--阻力不到位，所产生 的声音效果要么奶声奶气的;要不声音就无法集中;"让声带歌唱"五个字同时可以具有三个内容: 声音意识不要以"嘴"为出发点，而是应以声带为起点，这是一种意识，(因为声音实际上总是通过嘴 巴出来的)始终应以声带为"起点";第二种是从生理上说的，在让声带歌唱时，"软腭的两边必需 放下来"，好像一直挂到脖子下面，这是在歌唱时的一个非常重要的条件，因为它是解决声带紧喉咙松 的关键。腭弓松了，舌头就自由了，下巴也放松了，喉咙才可能打得开。反过来，腭弓一绷紧舌根立即 下压，造成声道堵塞，一切全完了;第三种是指"声音靠在气上"(传统唱法有此要求，欧美流行唱 法同样有此特点)因为歌唱方法的本质是气息--声门的阻抗，没有积极的声门张力--阻力又如何能 和气息产生阻抗?声带的调节是一切科学唱法的核心，通俗唱法当然也不例外，也是欧美唱法的区别于 港台、日本唱法的标志之一。这种方法的优点是声音"质感"强，嗓音特色显著。值得我国歌坛借鉴。 5、声音必需充分唱出来的另一体现是吐字。尽管通俗唱法的吐字建立在平时说话自然的基础上， 但毕竟仍有程度上的差别。应该说歌唱吐字要比说话夸张得多，就如同演话剧时念台词的吐字比平时说 话要夸张的情况相同。通俗唱法的吐字在发声时要求舌头左右横向拉紧，这一强调的目的是让声音更靠 前，更清晰，舌头好象一直处于英语中"get"、"let"、"like"那个位置上。它始终要口腔后部尽 量不要大于口腔前部。因此在歌唱时绝不能有意识去张大口腔后部，也就不要提软腭。通俗唱法也不要 求张大口，只需口腔前呈"喇叭形"，不影响声音靠前即可。(猫咪叫时的嘴巴形状，形象地说明了唱 法的口型要求)br/保加利亚著名声乐教师勃伦巴诺夫曾断言:歌唱的秘密是 "靠前、再靠前"。 为什么要如此强调靠前?在西洋传统声乐界，曾有过"靠前"--"靠后"的长期争论。原因是"共鸣" 这个内容，常常容易让人造成错觉--让自己的耳朵听到振动，这种本能的习惯意识会让唱者不自觉地 让自己把声音安放在口腔后部----距离耳鼓膜最近的地方，造成了自以为声音很响但人家听起来并不响 。在通俗唱法中同样可能发生这种情况，绝大多数歌唱者忽视了唱者自我感觉和听者实际感觉是两回事 这个客观现实。在高音上的自我感觉，甚至和实际效果完全相反。如果一个歌唱者不能建立走这么 一个概念--随时不忘用自我的耳朵去聆听自己的声音--即清楚地知道自己的声音在听众耳朵中的实 际效果的话，是绝对唱不好歌的。有些歌唱者自我感觉特好，实际却完全相反。有些歌手唱得很好， 却老是自卑地认为自己唱得不好。"唱出来"就是"靠前"的本意，但传统声乐的靠前和通俗唱法的靠 前在声音效果上是截然不同的，通俗唱法就是要西洋传统唱法中的"白声"，甚至可以说要求越"白" 越好。6、气感:气感不只是一种意识，更是一种"效果"，上述呼吸中用上下腹对抗来建立支持是一 种手段，这并不是说在歌唱时两肋能保持张开的姿势就算有了气息支持的情况一样，"气感"正是对这 种方法后鉴定。以教堂的钟为例:如果这个钟没有挂起来就敲击它，声音短促而难听;挂起之后再去调 皮击它，声音会产生回荡的余音，传送十里之遥。气感能使歌声始终带有回荡的"余音"，听觉效果明 显不一样，唱者的自我感觉是清楚地感到胸中有"回声"。以上几点是通俗唱法实践应用中必需注意 的具体要求，尽通俗唱法是多制式、多层次的，这些要求却是一致的。但对不同层次的歌手的具体要求 标准可以有所区别。如果我们按能高能低、能强能弱、能刚能柔、能亮能暗这十六字为准绳，对高层次 的要求:十六字全部到位;对中层次是部分到位;对低层次的可不讲究到位。这是指技巧要求。乐感在 通俗唱法中是首要的。正因如此，乐感不足的人唯一的出路只有通过技巧去弥补了，而技巧制造出来的 力度对比、色彩对比以及高音的爆发力等技巧，即使不能达到"动心"的效果，至少可以达到"动听" 的效果。毕竟一流乐感的人是少数，渴望"制造乐感"的人是多数。基本功是培养"能力"的，"能力 "则是技巧的基础，学好基本功无疑需要付出一定的劳动代价，但也一定会有收获。任何唱法模式，当经 验上升为理论时，都会发现它们有着自己的发音"套路"，在声乐专业术语上也叫"状态"。西洋传统唱 法为建立这个"状态"需要化费很长时间和精力。最终仍未必都侧"种豆得豆，种瓜得瓜"。到头来颗粒 无收的也不在少数。通俗唱法的基本功相对要比起西洋传统唱法要简单，就如同芭蕾舞和现代舞的情况相 似:芭蕾舞非要用足尖支撑，现代舞却不需要，但在腰和腿方面都需要有" 功"。芭蕾用"足尖"的特定 要求与西洋传统唱法要求在"喉头沉底"的基础上歌唱，同样是难度很大，训练的"耗时"自然也长。通 俗唱法则无此要求。如果的抽掉了这项特殊要求就认为通俗唱法不需要基本功，结论未免轻率了。任何唱 法模式，只要有技巧要求就必要基本功，只是按不同的美学效果来建立自己的不同"状态"罢了。