讀畫賞析

1. 怎樣欣賞圖畫書

怎樣欣賞圖畫書
首先從封面開始
一本書首先映入讀者眼簾的是它的封面，所以向來講究的書籍都是精心設計封面和版式裝幀的。一般而言，圖畫書的封面取自書裡面的某一幅畫，而這幅畫往往是這本書的精華所在。也有一部分圖畫書的封面是根據圖畫書的內容而單獨創作的。封面上除了畫之外，還要注意書名、作者及譯者、出版社等信息。這些都是閱讀者不可忽視的地方。
封面的閱讀，我們至少可以進行兩項有意思的閱讀活動。
其一，猜測大意，產生期待。閱讀心理學上有個名詞叫「閱讀期待」。一個讀者在閱讀期待的心理條件下會產生強烈的閱讀效果。比如慶子·凱薩茲的《不要再笑了，裘裘！》的封面，可以猜測出正在笑的裘裘，而在一旁看著它的是裘裘媽媽。媽媽的表情為什麼有些擔憂？為什麼不要再笑了呢？裘裘笑得多可愛啊！再閱讀正文之前，有這樣的閱讀期待產生，極易理解這本書的主要信息，把准書的主旨。
其二，激發興趣，樂於閱讀。比如在閱讀托托和帕德系列《趕回家過聖誕節》這本書時，可先想想西方人過聖誕節是個什麼樣兒，他們會幹些什麼？和我們國家的哪些節日相似？然後再看封面，想一想「趕」回家可能發生什麼事？從而使讀者迫不及待地打開圖畫書進行閱讀。
也有的圖畫書，需要將封面與封底連起來看。
環襯——蝴蝶頁
打開封面之後，我們會看到封面與書芯之間有一張襯紙（簡裝本則沒有）。這就是環襯，又稱為蝴蝶頁。這是成人最容易漏讀的頁，一般人匆匆翻過，或者乾脆與扉頁連在一起一翻而過，這樣往往會錯過作者和編輯的獨運匠心。
孩子一般不會漏過環襯的，雖然他們可能說不出什麼，可能會有新奇的發現與新奇的聯想。比如《爺爺一定有辦法》中蝴蝶頁是那條神奇的毯子，上面布滿了閃爍的星星，給人一種神奇的夢幻色彩。
也有環襯的圖案是一樣的，但經過閱讀整本書的過程之後，讀者產生了不同的閱讀感受。
環襯的內容一般不需要講解，只要稍稍提示，讓讀者注意罷了。這樣，才會讓讀者有更深入的發現。
扉頁
翻過蝴蝶頁之後，我們便看到了扉頁。扉頁上一般寫著書名、作者和會者以及譯者和出版社。有點扉頁上還有作者、繪者的簡介以及本書的獲獎記錄。讀圖畫書，扉頁一定要仔細地看，因為其中包含著豐富的信息。它會告訴你這本書的主人公是誰，大致發生了什麼事。
大部分圖畫書的扉頁總是閱讀的起點。因為正文向前後延伸，使得故事跨越了邊界，讓人讀出無窮的意味。扉頁中的伏筆與暗示，彷彿大戲開演前的鑼鼓聲響，為正文作好了鋪墊與情境的營造。有的圖畫書的扉頁是一張閱讀地圖，也許剛開始閱讀並不能有什麼發現。當讀完整本書之後，驀然回首才發現扉頁上已將故事中的重點一一指出，讓我們產生再次閱讀的慾望
正文
好了，翻過扉頁，總算到了正文。一般人讀書總是以為正文才是書的開始，對於純文本的讀物也許是這樣，但對於圖畫書而言，則只代表著書的主題部分開始逐漸呈現。
這里需要一提的是，圖畫書至少包括以下三種語言：
一是圖畫語言——由圖畫來表達
二是文字語言——由文字來表達
三是圖文結合、對照、碰撞產生的新的語言。
正因為圖畫書適合這樣的語言，所以許多學者一直認為聽讀圖畫書和自己看圖畫書是不一樣的。日本的松居直先生一直認為圖畫書不是孩子自己讀的書，而是大人讀給孩子聽的書。
如何讀圖畫書給孩子聽，是沒有技巧可言的。只要具有愛心，就會有無窮無盡的方法，產生意想不到的效果。
每個孩子都是讀「圖」天才。孩子看到的形象，永遠比他聽到而留下的記憶深刻。這就是為什麼著名的兒童文學作家梅子涵先生一再強調對孩子的教育「不要告訴他什麼，而要讓他看到什麼」。比如那本《彩虹色的花》，它是講述一個關於奉獻的故事，但是孩子們可不願聽那些所謂的高尚道理。可他們喜愛看這些花花綠綠、顏色鮮艷的彩虹色的花。看到她把自己的花瓣一瓣一瓣地傳遞給需要的人，當她獻出自己的一切之後，花莖也折斷了，但她仍然喜滋滋地站在那兒。孩子的心靈受到觸動，為她惋惜，甚至為她落淚。當天空出現一道耀眼的彩虹色的光芒時，所有曾接受過彩虹色的花捐贈的人都從遠處跑來。大家心裡漸漸溫暖起來。大家想起了彩虹色的花曾經給過自己的幫助。這時你會發現孩子的臉上洋溢著暖暖的笑意，他們已經領會到了圖畫書所要表達的東西。它超越了語言和文字，直指人心，又是何等的快意啊。
語言的節奏性與畫面的節奏（顏色、構圖、色調等）等構成了故事的節奏，特別易於理解與接受。在圖像與語言之間建立某種聯系，讓言、象、意三者有機地融合在一起，從而習得語言，增長知識，陶冶情操。
封底
當我們讀完一本書之後，合上書時，封底也是不容錯過的。封底上的信息有時非常豐富，可能是這本書的簡介與導讀，也可能是這本書的推介與評論。大部分封底與封面相呼應，有的甚至需要與封面連在一起欣賞和討論，有的則是故事的結尾與延續。表現手法各異，或直接繪出，或用簡筆暗示。總之，合上書，不是一個結束，很可能是另一開始，新一輪閱讀的起點。

2. 名畫賞析 誰能給一下

編輯本段]微笑的含義
喻指迷人的微笑或神秘莫測的微笑。
《蒙娜麗莎》是義大利文藝復興時代著名畫家達·芬奇的肖像畫作品。
畫中的主人公是當時的新貴喬孔多的年輕的妻子蒙娜·麗莎，這幅畫畫了4年。 那時，蒙娜麗莎的幼子剛剛夭折，她一直處於哀痛之中，悶悶不樂。為了讓女主人高興起來，達芬奇在作畫時請來音樂家和喜劇演員，想盡辦法讓蒙娜麗莎高興起來。
這幅畫完成後，端莊美麗的蒙娜麗莎臉上那神秘的微笑使無數人為之傾倒。人們對那微笑進行了種種猜測：是和藹可親的溫婉的微笑？是多愁善感的感傷的微笑？是內在的快樂的標志？是處女的童貞的表現？那微笑彷彿是這一切，又彷彿不是這一切。它的誘人之處，全在於那微笑的神秘莫測和令人傾倒。
後即以「蒙娜麗莎的微笑」喻指迷人的微笑或神秘莫測的微笑。
[編輯本段]揭秘微笑
法國·巴黎盧浮宮博物館的鎮館之寶：達·芬奇《蒙娜麗莎的微笑》
義大利著名畫家 達芬奇創作於1504年左右。畫中的蒙娜麗薩成為美學的，哲學的象徵性形象，早已成為達達主義和超現實主義畫家模仿的對象。
500年來，人們一直對《蒙娜麗莎》神秘的微笑莫衷一是。不同的觀者或在不同的時間去看，感受似乎都不同。有時覺得她笑得舒暢溫柔，有時又顯得嚴肅，有時像是略含哀傷，有時甚至顯出譏嘲和揶揄。在一幅畫中，光線的變化不能像在雕塑中產生那樣大的差別。但在蒙娜麗莎的臉上，微暗的陰影時隱時現，為她的雙眼與唇部披上了一層面紗。而人的笑容主要表現在眼角和嘴角上，達·芬奇卻偏把這些部位畫得若隱若現，沒有明確的界線，因此才會有這令人捉摸不定的「神秘的微笑」。
哈佛大學神經科專家利文斯通博士說，蒙娜麗莎的微笑時隱時現，是與人體視覺系統有關，而不是因為畫中人表情神秘莫測。利文斯通博士是視覺神經活動方面的權威，主要研究眼睛與大腦對不同對比和光暗的反應。利文斯通說：「笑容忽隱忽現，是由於觀看者改變了眼睛位置。」她表示，人類的眼睛內有兩個不同部分接收影像。中央部分(即視網膜上的淺窩)負責分辨顏色、細致印記。環繞淺窩的外圍部分則留意黑白、動作和陰影。據利文斯通說，當人們看著一張臉時，眼睛多數集中注視對方的雙眼。假如人們的中央視覺放在蒙娜麗莎的雙眼，較不準確的外圍視覺便會落在她的嘴巴上。由於外圍視覺並不注重細微之處，無形中突出了顴骨部位的陰影。如此一來，笑容的弧度便顯得更加大了。不過，當眼睛直視蒙娜麗莎的嘴巴，中央視覺便不會看到陰影。利文斯通說：「如果看著她的嘴巴，使得我們永遠無法捕捉她的笑容。」蒙娜麗莎的笑容若隱若現，源於人們的目光不斷轉移。利文斯通指出，若要臨摹《蒙娜麗莎》，描繪口部時便要望著別處。
1993年，加拿大美術史家蘇珊·吉魯公布了一項令人震驚的研究成果。她說蒙娜麗莎那傾倒無數觀賞者的口唇，是一個男子裸露的脊背。這一論斷既新鮮又荒誕，然而論證是有力的。集畫家、雕刻家、建築師、工程師及科學家等多種才藝於一身的達·芬奇，可謂是個「怪傑」。他喜歡穿粉紅色外套，在胡須上毫無顧忌地塗上五顏六色，還常稱自己解剖過不下30具死屍。他還是個左撇子，習慣從右到左倒著書寫，別人要藉助鏡子才能讀出他寫的東西。因此藉助鏡子亦不失為欣賞者讀畫的一種方法。旋轉90度後從鏡中看蒙娜麗莎抿著的笑唇，恰好是一個背部線條分明的結實男性脊背以及左臂和肘部的一角；再說，表現人體美和呼喚人性的覺醒，既是大師的人生哲學，又是他的藝術觀。
確實，在不同角度不同光線下欣賞這幅畫，人們都會得到不同的感受。那微笑時而溫文爾雅，時而安詳嚴肅，時而略帶哀傷，時而又有幾分諷嘲與揶揄，神秘莫測的微笑顯露出人物神秘莫測的心靈活動。
幾百年來，「微笑」的新解層出不窮。諸如微笑不露皓齒是因原型雖典雅美麗卻口齒不齊；原型因愛女夭折，憂郁寡歡，難掩凄楚之態；更有甚者，把蒙娜麗莎從貴婦寶座上推落下來，把原型貶為妓女，故而微笑中帶著譏嘲和揶揄。
美國馬里蘭州的約瑟夫·鮑考夫斯基博士認為：「蒙娜麗莎壓根就沒笑。她的面部表情很典型地說明她想掩飾自己沒長門牙。」
法國里昂的腦外科專家讓·雅克·孔代特博士認為蒙娜麗莎剛得過一場中風，請看，她半個臉的肌肉是鬆弛的，臉歪著所以才顯得微笑。
英國醫生肯尼思·基友博士相信蒙娜麗莎懷孕了。他的根據是：她的臉上流露出滿意的表情，皮膚鮮嫩，雙手交叉著放在腹部。性學專家推測：蒙娜麗莎剛剛經歷了性高潮，所以才表現出令世人傾倒的微笑。
還有一種近乎無稽之談的說法：她的表情就像吃了苯氨基亞胺似的，顯得很陶醉，這是吃完巧克力後人體內產生的一種歡愉激素。這種說法很少有人相信，因為當時還沒有巧克力呢。
畫中，左邊的地平線比右邊的低，蒙娜麗莎的左側看上去比右側大。歷史上左邊代表女性，體現達·芬奇崇拜女性。電腦分析顯示，蒙娜麗莎和達芬奇自畫像的臉部有多處相似，可能蒙娜麗莎就是達芬奇本人，埃及傳說中主管男性生殖器的神叫阿蒙（Amon），主管女性生殖器的神叫伊西斯（Isis）——古代文字中曾將其讀做L'ISA，因此Mona Lisa就是暗示AMON L'ISA，即蒙娜麗莎非男非女，是兩性的融合體。
[編輯本段]《蒙娜麗莎》真偽之謎
按照以往的說法，達·芬奇的《蒙娜麗莎》收藏於巴黎的盧浮宮。但在收藏界卻有一種說法稱，掛在盧浮宮的不是《蒙娜麗莎》，真正的《蒙娜麗莎》是在倫敦一所公寓的牆上。
這間寓所和這幅作品的保管者普利策博士說，《蒙娜麗莎》完成後，作品就留在了麗莎·德·佐貢多家。後來，又有一個貴族請達·芬奇為他的情婦畫一幅肖像，這個被稱為「拉喬康達」（意為「微笑的人兒」）的女子，和蒙娜麗莎長得很像。於是，一時懶惰的達·芬奇把《蒙娜麗莎》的臉部換成拉喬康達。畫作完成後，那個貴族拋棄了拉喬康達，因而沒有買下這幅畫。後來達·芬奇應弗朗西斯一世的邀請去法國，帶去了這幅畫。普利策說，使盧浮宮增添光輝的是拉喬康達的肖像畫。《蒙娜麗莎》後來流落到英格蘭，本世紀初被一家博物館館長、藝術鑒賞家威廉·布萊克買下，後來又為瑞士一財團收購，普利策便是其中的成員。
本世紀初，曾經有許多人大規模地復制、偽造藝術名作，有理由懷疑倫敦的那幅是贗品。但是，普利策博士對他的這幅畫的真實性深信不疑。他用顯微攝影技術證實，倫敦這幅畫上的指紋同達·芬奇其他作品上的指紋相同；根據記載，蒙娜麗莎比拉喬康多年輕19歲，被畫時披著一條表示悼念的面紗，在兩幅畫中，只有倫敦那幅顯示一個更顯年輕的女人披著漂亮的面紗；另一個證據是，拉斐爾當年在達·芬奇作這幅畫時曾經作過速寫，速寫中的蒙娜麗莎背後有兩根圓柱，這兩根圓柱出現在倫敦的肖像畫里，而盧浮宮那幅的背景是山崖、小徑、石橋、樹叢與潺潺的流水。
幾百年以來，不少收藏家各自聲稱他們藏有真正的《蒙娜麗莎》,數量竟達60幅之多。更有趣的是，美國緬因州伯特蘭美術館在1984年收到一幅《不微笑的蒙娜麗莎》，經測定，此畫確實是當年達·芬奇的手筆，畫中的人物除了不微笑以外，其餘都酷似蒙娜麗莎本人。專家由此推測，這幅《不微笑的蒙娜麗莎》可能是作者同時畫的一幅底稿。
還有一種說法認為目前盧浮宮內收藏的《蒙娜麗莎》是一幅贗品，其依據在於1911年發生的那起盜竊案。在那起盜竊案中，《蒙娜麗莎》失竊。兩年後，它出現在義大利，但是畫面上蒙娜麗莎身後兩旁的廊柱已經被切掉了。幾年後，《蒙娜麗莎》被歸還盧浮宮。但許多專家都認為，這次失而復得只是一場煙幕，真正的《蒙娜麗莎》已經被一位富有的收藏家重金收購，掛在盧浮宮內的只是一件贗品而已。
[編輯本段]《蒙娜麗莎》背景之謎
加利福尼亞大學教授卡羅·佩德雷蒂認為，蒙娜麗莎身後的背景是義大利中部阿雷佐市布里阿諾橋附近的景色。佩德雷蒂的證據是，達·芬奇出生在距阿雷佐約100公里的芬奇鎮，並曾經在阿雷佐生活過，這一地區的原始景觀與《蒙娜麗莎》的背景幾乎完全一樣，因此，達·芬奇很有可能採用這一地區的田園景色作為《蒙娜麗莎》的背景。當佩德雷蒂的這一觀點在達·芬奇繪畫國際研討會上宣布後，許多美術史專家都對他的研究結果表示肯定。
[編輯本段]《蒙娜麗莎》死因之謎
按照記載，麗莎·迪·格拉爾弟尼在46歲時抑鬱而死，但一位日本心臟病專家說他發現蒙娜麗莎的左眼上有一塊黃斑，這是膽固醇含量過高的徵兆。這個日本心臟病專家說蒙娜麗莎應該死於心肌梗塞。
說不盡的蒙娜麗莎
蒙娜麗莎，這是一個永遠探討不完的問題。自問世至今，將近五百年，後人不知做過多少品評和揣測，留下越來越多的迷局。當今，世上有研究《蒙娜麗莎》的專著數百部，而有近百名學者將此畫作為終身課題。時間的推移不會使疑團得到解決，只會隨著研究的深入，將更多的疑惑留給後人。
人們過分地喜愛她。無止境地探討她那難以覺察的、轉瞬即逝然而亘古不變的微笑，那洞察一切而又包容一切的眼神，那端莊沉穩的姿態，高貴而樸素的裝束，以及無懈可擊的完美構圖。人們驚嘆：列奧納多，惟有列奧納多，上帝一樣的智慧，才能採集那麼多美的元素，將眾多美好合為一個完美。於是，美、智慧、永恆，三位一體，極致的搭配，再無超越的可能。就這樣，蒙娜麗莎帶給人們無限美好的遐想，也給人們無限沉重的壓力。人們既願意棲身她的庇蔭，吸取滋潤的營養；又渴望走出她的陰影，呼吸自由的空氣。多少年了，無數醉心繪事的人，都為這一重矛盾所困擾。
這是一個神話，它與達．芬奇無關，完全是後人製造的。神話像雪球，隨著時間的推移不斷滾動，無限膨脹，最終連神話的製造者也被吞沒。如今，蒙娜麗莎坐在盧浮宮一處顯要的位置，隔著厚厚的防彈玻璃，每天以我們熟知的、神秘而永恆的微笑迎候數以萬計的來訪者。這些朝聖般的觀眾心中裝著各式疑問，他們渴望通過這一張溫柔嫻靜的臉龐讀出答案，然而離開時卻將更多的問題帶走。問題是五花八門，許多與蒙娜麗莎並無關系。有人會問：蒙娜麗莎究竟是畫中人的名字，還是微笑的別稱？畫中人究竟是銀行家喬．貢多的妻子，還是伊薩貝爾王妃？此畫確有真人模特，還是憑想像畫成？畫中人物沒有眉毛，這是當年佛羅倫薩的審美時尚，還是像某人所說，其人正在懷孕，是妊娠反應？畫中人是否剛經歷流產的傷痛，所穿衣裳是喪服？蒙娜麗莎那令人迷惑的表情真的是微笑嗎？難道不是面部麻痹症造成？蒙娜麗莎到底是男是女？其原型是否就是達．芬奇本人？問題越問越離奇，距離畫本身越來越遙遠，不僅無助於解讀該畫，反而將人不斷引向迷途。
其實，有些問題已經構成了對《蒙娜麗莎》的褻瀆，只是提問者尚未覺察。蒙娜麗莎是男是女，這還用得著問嗎？任何一個對性別有感知的人都不該對此產生疑問，可是有人偏要提出如此荒唐的問題。有人說蒙娜麗莎給人的感覺是中性的，至少她（他）不會給人產生性的誘惑。試問，難道惟有性感才能構成女性美嗎？如此，一幅肖像畫與一幅色情照片又有多大區別？無疑，蒙娜麗莎是美的，她的美充分體現在人性美上，而不局限於女性特徵；或者說，她的美已經超越了性別阻隔，但這並不等於連性別都分辯不出。對於顯而易見的事實還要發出荒唐的疑問，若不是別有用心也是無聊之極了。面對一幅分明令人愉悅的肖像卻偏要說甚麼面部麻痹症，這簡直令人憤慨。蒙娜麗莎表情是僵化的嗎？瞬間的表情被定格就說成僵化，那真是荒唐透頂。微笑是難以描述的，專注中不自覺的微笑，友善的微笑，欣慰的微笑，或是略帶嘲諷的微笑，那是每個人不同情緒下的感受，但笑意是毫無疑問的。至於有人感到蒙娜麗莎的微笑是常人難以企及的，因而斷定此畫不是以真人為模特，而是完全憑想像畫成，這種論斷也純屬多餘。人們驚嘆達．芬奇卓越的繪畫技巧：畫中人由面部五官到雙手，再到身體的其他部分，包括衣著穿戴，每一處都那麼真實可感，幾乎伸手可及，這是憑空想像無法完成的。倘若沒有真實人物作參照，達．芬奇縱然有天大的才氣也不可能畫得如此生動細膩。有人要問，畫中人的眼神、她的笑意是那麼遙遠和不辯深意，那是其人所獨有的嗎？為什麼今人就摹仿不出？其實這樣的問題很好解答。每一個了解繪畫的人都懂得，肖像畫並不等同於人物原型。一幅好的肖像畫首先要體現作者與表現對象間的互動；畫家將自己的智慧、情感、人生理念、精神渴求等等都融鑄進了畫中人物，這樣觀眾從畫面上讀到的肯定比真實人物要豐富的多。我們了解了達．芬奇的生平，認識了他在諸多領域的非凡造詣之後，上述問題也就迎刃而解。既如此，那麼畫中人究竟是誰的妻子、叫什麼名字就不重要了，她是達．芬奇全部藝術才情的匯聚，也是他理想人格的集中體現。從這個意義上說，她不是任何人的妻子，她是一個超乎常規限定的完美人性。我們可以理解蒙娜麗莎為達．芬奇的精神肖像，但要說是以他本人為模特就顯得太庸俗化了。有人通過電腦技術將達．芬奇的自畫像與蒙娜麗莎作以對照，發現兩者的基本結構驚人地相似，於是斷定該畫是以他本人為模特。其實這是吹毛求疵。相似不等於吻合，當然完全吻合是不可能的，正如畫中人與真實人物也非完全相同；然而不同的人總有相似之處，並且相似性是主要的，差異卻是微小的；更何況每一個畫家描繪他人時總會不自覺地把自己的形象帶進畫面，因為畫家對自己最熟悉；這點想來達．芬奇也不會例外。說到這些，其餘的問題也就無須解釋了。如果我們多讀一些畫，多接觸一些畫家，那麼不著邊際的問題就不會提出來了。
駁斥了上述一些問題，不是說圍繞《蒙娜麗莎》的研究都是無意義。作為世界美術史上最具知名度的一件作品，必然會有無盡的問題為後人探討。對於《蒙娜麗莎》人們過分熟悉，很難再產生新鮮感；然而醉心於此畫的人，卻是每看必有新得，各中奧妙怕是只可意會了。《蒙娜麗莎》不但是盧浮宮的鎮館之寶，簡直是法國人的驕傲。當年《蒙娜麗莎》曾經失竊，千萬人為之痛不欲生，政府則把當日定為「國難日」；而當它失而復得時，則舉國歡騰，其盛況不啻於國家重獲新生。法國人莫非忘記了，《蒙娜麗莎》本不該屬於他們。在蒙娜麗莎的故鄉義大利，擁有無法估量的藝術寶藏；卻不曾擁有《蒙娜麗莎》，不能不說是巨大遺憾。這是世界上擁有最多發燒友的一幅畫，不要說藝術界，單就政界要員對她的迷戀就令人詫異：大名鼎鼎的戴高樂總統每當心緒煩躁時，必驅車前往盧浮宮欣賞《蒙娜麗莎》，出來後便滿面春風，原先的煩惱盪然無存；而蓬皮杜總統則公開承認無法克制對《蒙娜麗莎》的心馳神往之情。世紀偉人邱吉爾可謂是曾經滄海了，可他晚年有幸親撫《蒙娜麗莎》時，竟無法控制顫抖的手指；鐵娘子撒切爾夫人亦對《蒙娜麗莎》情有獨鍾，無緣享有真跡，就收藏了4幅贗品。看到這些事實，我們會產生疑問：一幅不大的肖像畫為何竟有如此巨大的魅力或是震懾力，難道不是有一種神秘的無形力量在驅動么？
有些問題是難以回答的，我們先從《蒙娜麗莎》自身來認識。舉世公認的真跡現藏盧浮宮，那是流傳有序的。當年達．芬奇遷居法國，身邊就帶著這幅畫；達．芬奇死後，《蒙娜麗莎》即為法國王室所擁有；盧浮宮建成後，此畫就被永久收藏。然而，人們不解，現今看到的《蒙娜麗莎》與當初描述的不盡相同。莫非已經過他人做手腳了？的確，我們今天看到的畫與當年達．芬奇初畫的已經有了不小的差距。據說，當年拿破崙得到《蒙娜麗莎》，為了將它裝進現成的鏡框，裁去了畫面左右各三厘米；原先的畫上兩側有石柱，現在看不到了，只能看見一點柱礎。按說拿破崙給此畫造成了極大破壞，可我們今天卻不會這么認為。在今人看來，《蒙娜麗莎》的構圖是完美無缺的，人物身後的風景拓展了畫面空間，又很好地烘託了人物內心世界，人物形象也極為突出；相反，兩側增加了立柱反倒覺得構圖沉悶，視野欠開闊，人物形象也失去了單純。拿破崙戎馬一生，未曾對藝術有過特殊的關注，卻在美術史上留下了顯著的一筆，真是不可思議。看來神聖也不見得是不可動搖的。
我們現在看到的《蒙娜麗莎》是棕褐色調，略帶些青綠色相，色彩簡潔而沉靜，樸素而凝重。我們以為畫向來如此，其實不然。據達．芬奇同時代人對此畫的描述，當時的畫是色彩鮮艷，調子明快的，什麼時候變成了現在的樣子呢？當年法王得到了《蒙娜麗莎》，為了更好地保護它，在表面塗了過多的光油；歷經數百年光陰，光油變成了暗褐色，像我們目前看到的色彩；畫表面已經開裂，形成了蛛網般的細密紋理。保存狀況不佳，那是令人惋惜的；然而，我們寧願承認當今的《蒙娜麗莎》。單純渾厚的色調與人物沉靜內斂的精神氣質相得益彰；深暗的衣飾、迷濛的背景將人物臉龐及雙手襯托得響亮動人；而均勻的裂紋則給人物增添了神秘氣息，讓我們欣賞她時帶上更多的崇敬與神往。有人想通過現代科技手段除去表面油垢，恢復原先明麗的色彩；只是擔心技術不過關，怕損傷畫面。其實，倘若真的修復了，我們反倒會覺得陌生以至難以接受。
臨摹名畫是一種喜愛的表現，《蒙娜麗莎》就擁有世界上最多的臨本。且不說今人的臨摹，僅在達．芬奇時代就有好幾個版本的《蒙娜麗莎》，那多半是達．芬奇的學生或助手臨的。有幾幅技巧拙劣，放在原作跟前不堪入目，不過其中也不乏佳作。在美國新澤西州也有一幅《蒙娜麗莎》，和盧浮宮的原作極為相似，只是構圖略大一些，露出左右兩側的石柱（原作構圖本來如此）。畫上的蒙娜麗莎秀麗、清純，更具人間氣息。專門研究《蒙娜麗莎》的學者雷特認為這幅也是達．芬奇所作，而且是最初作品，該作表現出了人物的青春魅力；而收藏於盧浮宮那幅大約作於1513年。達．芬奇到了晚年技藝愈加爐火純青，但多年過去，蒙娜麗莎已不再年輕，而多了些許成熟與深沉。這種說法頗耐人尋味，但畢竟只是推測，難以得到證實。多數人對此持否定意見，反對者認為：達．芬奇一生中創作的繪畫屈指可數，他從未重復過自己的作品。

3. 艾青《畫者的行吟》賞析，批註

1、原文：

「如今啊／我也是個Bohemien（波希米亞人）了！／——但願在色彩的領域里／不要有家邦和種族的嗤笑。」

賞析：

這幾行詩，刺痛了我的心靈，我想到《畫者的行吟》的作者在塞納河邊一定受到了屈辱和嘲笑，因此他回到了自己的家鄉。當我讀到「我——這世上的生客」之後的十幾行詩，我聽到了詩人的一顆赤誠的心靈在咚咚地跳動，有如他家鄉鬥牛場上激動人心的鑼鼓聲。詩人多麼企盼著過上真正彩色而明朗的時日：

2、原文：

「在最古舊的世界上／唱一支鏘鏘的歌，／這歌里／以濺血的震顫祈禱著：／願這片暗綠的大地／將是一切流浪者們的王國。」

賞析：

這幾行詩，如火種點燃起了我心中的夢想。它的情韻是多麼開朗，是一顆真誠的跳動的心錄，感情毫無遮蔽，想像毫無顧忌，語言不羈而流暢，完全是詩人自己的聲調。我非常欣賞詩人這種獨特的情感和節奏。它是艾青青春的聲音。我少年時欣賞，現在也仍然欣賞。

(3)讀畫賞析擴展閱讀

創作特點

艾青的作品一般是描寫太陽、火把、黎明等有象徵性的事物，表現出艾青對舊社會的黑暗和恐怖的痛恨以及對黎明、光明、希望的嚮往與追求。艾青從對農村勞動人民的熱愛和接近他們的要求出發，十多年來，一直向他們呈獻著自己最真切的詩情。

艾青的詩歌以它緊密結合現實的、富於戰斗精神的特點繼承了「五四」新文學的優良傳統，又以精美創新的藝術風格成為新詩發展的重要收獲。這里既反映了作者的藝術才能，又銘記下他嚴肅的、艱苦的藝術實踐。

在他的詩歌中，飽滿的進取精神和豐富的生活經驗帶來鮮明。艾青的詩歌具有鮮明深刻的形象，隨著詩歌結束，形象也就完成。形象，不僅指人，也包括物，以及思想等的形象化。

參考資料

網路-艾青

4. 繪畫鑒賞能力

首先要眼高，要做到自己的閱歷多，見識廣，也就是說要多看名家的畫，多看各種回風格派別的畫，多看各種門答類的作品，雅俗共賞。多對比，多思考。有畫展就去看看。
其次，要知道鑒賞作品要從哪些地方入手，這需要一些理論，不可光憑個人喜好。可以選擇一些繪畫評論的書看看，比如《今日中國美術叢書》，慢慢就長水平了。
再者，與同樣喜好的人多交流，你喜歡的也許別人不喜歡，或者一樣喜歡，喜歡在哪裡，可以交流，不喜歡的可以描述，傾聽，在實踐上也得到進步。
鑒賞能力絕非一日之功，望你能有所成就。

5. 舉例談談如何欣賞和解讀一幅畫、、、藝術學概論的題

是你的作業嗎？？？
對於一般人來說，能否欣賞一幅繪畫作品常常是能否"看懂"，他們的欣賞步驟是：畫的是什麼？畫得像不像？畫家畫這種形象的寓意是什麼？如果都回答出來了，便認為是看懂了，如果回答不出來，便認為是看不懂。這種方法就是一種傳統的講"故事"的方法，他們對於繪畫作品的欣賞往往過多藉助"文學性"的描述。那麼，用這種方法來欣賞中國畫，一般來說，工筆的、寫實的作品就容易欣賞，因為它是具體、真實，看得懂。但如果是粗放的。寫意的作品，尤其是水墨寫意的作品，就較難欣賞了，因為它不寫實，形象不具體，就看不懂，而且更無從知道作者的寓意了。
當然，一般人用這種方法欣賞繪畫是完全可以理解的，因為畫得像，看得明白，才容易引起聯想、產生共鳴。但是我們必須明白，一幅繪畫作品的好壞，卻不是以"像"或"不像"來衡量的。就藝術而論，我們衡量一件繪畫作品的好壞，或我們欣賞一件繪畫作品，首先不在於它像或不像，而在於繪畫作品的主題，或者說繪畫作品中所輻射出的某種觀念、某種思想、某種情緒，能否緊緊地抓住觀賞者的心弦，能否給人以充分的藝術審美享受，並使人從中獲得某種啟迪和教育。應該說，這才是一切藝術作品的真正目的。像與不像僅僅只是作品一種達到目的的手段而不是目的本身。因此像與不像就不能作為衡量作品的好壞或欣賞作品的標准。
那麼，畫家們是怎樣來看畫的呢？就國畫而言，內行人看畫一般是看畫面的整體氣勢，用美術術語來說就是先體味其"神韻"，或者"神似"，然後再看它的筆墨趣味，構圖、著色、筆力等。最後才看它的造型，即像不像或"形似"。內行人的這種抓"神韻"的欣賞方法當然是抓住了實質，因為"神韻"就是一種高的藝術審美享受，常常是中國畫家們的追求達到的目標。當然，一般的人要從畫中去體驗到一種"神韻"卻並不是一件容易的事，那不但需要一定的審美能力、藝術修養，也還需要具備一定的繪畫方面的基本知識，特別是通過繪畫而訓練出來的一種"感覺"。所以要很好地欣賞繪畫，還得具備多方面的才能和藝術修養。
但是，如果我們從以下幾個方面去欣賞繪畫作品也許更能理解一些。有人提出，藝術的欣賞需要經過審美感知、審美理解和審美創造三個階段，那麼從這樣三個方面去欣賞繪畫作品是很有道理的。
1.審美感知就是要求我們直觀地去感知審美對象，即藝術作品本身，我們可以去感知作品上畫的是什麼？畫得像或是不像，色彩是鮮明的或是灰暗的，線條是流暢的或是笨拙的，表現手法是工筆的或是寫意的等等，總之要自己親自地平心靜氣地進行直觀的感受。
2.在審美感知的基礎上進行審美理解。即在直觀感受的基礎上，進行理解和思考，把握作品的意味、意義和內涵。這種理解包括對作品的藝術形式和藝術技巧的理解；對作品表現的內容和表達的主題的理解；以及對作品的時代背景和時代精神的理解等等，這就需要充分調動我們的思考能力。我們可以一步一步地想下去：作品畫的內容要表現什麼？是怎樣表現的？所採用的藝術手段是否恰當？能否充分地表達出主題？同時，透過作品的畫面，猜測作者的心思，是熱情地歌頌或是辛辣地諷刺；透過畫面的氣氛，體驗畫面的情調：是深沉或是豪放，是樂觀或是悲傷。再還可以根據已有的知識結構，結合作者的身世、創作特點和所處的時代背景等進行分析。
3.審美創造階段。就是通過審美的感知和審美的理解後，在對作品審美的基礎上進行再創造，通過自己積累的審美經驗、文化知識、生活閱歷等進行豐富的聯想、升發開去，再創造出一個新的意象來。這樣，你才真正獲得了啟迪和教育，欣賞繪畫才獲得了真正的意義。
朋友們不妨用這種方法去欣賞中國畫（或其他繪畫），認真試一試，你一定會有所收獲。

6. 賞析賞析賞析，急求

第一句話：說明了我們看世界要用我們的眼睛，做人也一樣，不能掩飾自我，做真實的自己

第二句話：成功之前往往是艱苦的，我們只有克服這種種困難在能成功。
第三句話：說明了梵高畫畫畫得很好，他嚮往色彩

7. 畫的作品鑒賞

這是一首畫作欣賞詩，從詩中的描述來看，畫中有山、水、花、鳥都是典型的中國畫題材，而且肯定是一幅畫得相當逼真、傳神的作品。作者通過文字的描述，把一幅本是靜止的畫變成了一幅美麗的風景卷軸展現出來：蒼翠的山，流動的水，綻放的花，歡鳴的鳥，一派鮮活的景象，把讀者引入了無限的遐想之中。當讀者從遐想中回到現實的時候，才發現，畫中的一切不過是一個個無生命的靜物。
看遠處的山往往是模糊的，但畫上的山色卻很清楚，在近處聽流水，應當聽到水聲，但畫上的流水卻無聲。在春天盛開的花，隨著春天的逝去就凋謝了。而畫上的花，不管在什麼季節，它都盛開著。人走近停在枝頭上的鳥，它就會受驚飛走。但畫上的鳥，即使你走近了，它也不會驚飛。全讀起來似乎行行違反自然規律，其實正是暗中設謎，寫出了畫的特點。
遠看山有色
遠山含笑，有色便是好山，何為有色？清秀俊朗紅濕綠垂是色，寒色蒼蒼亦是佳色，奇傀峭拔也是異色，只因其距離而產生美感，讓人覺其有無限的風光。此乃是「靜境」，靜境之美出乎首句，在於有靜心者能品之。這就好比是陽春白雪，一開始就將下里巴人給趕出了藝術空間。取消了浮躁者的欣賞美的資格。在這里，任何的浮躁都不行，有的只是心靜如水，但不是死水而是活水，你看畫中有水呢？一汪春水有著擋不住的盛情傾瀉而出.一種流動之美跳躍於詩人的眼中。
近聽水無聲。
源頭活水本是「動境」，而無聲二字又進入靜境，寧靜致遠.和首句並無矛盾之處.動靜的取捨上詩人可以說是能夠做到游刃有餘.是什麼如此神奇？靜的如此讓人難以放棄去一探究竟，這樣，我們就會接近此詩此畫，這樣心神和山水便靠近了。一切的妙處只是因為「無聲」，無聲是一種美。王羲之的詩中有「在山陰道上行，如在鏡中游」，便也是這種美。有聲無聲都溶在一起，完美的天籟之聲！莊子所提的「天籟」之聲就是如此，當「天籟」與「人籟」「地籟」一起時，便共同構成一個常人無法言語的自然之聲。
春去花還在，人來鳥不驚。
花兒在那個最美的季節里盡情的開放，並最終將自己的生命燃燒般的開到最美。美到極致後，飄然而去。但此中花兒不謝，只因在畫中。不僅僅是如此，寫的近近是畫中的花，是春盡之時，花兒盡逝，無處得美而傷懷的感觸在裡面 。
鳥兒不驚，不知青春已盡，歲月已逝。徒留下多少悔恨。
詩中的畫似乎代表著一種夢想，一種可見而不可得的夢想，但那種夢想只是在人的心靈處於一種安靜的狀態中我們才能夠想起。但不可得已是事實，詩人唯有帶著淡淡的幽思去尋覓世間最後的能夠寄託情懷的東西。人已去，空留花，鳥未驚，人又來，沒有永恆的美麗，而一切的美麗都將隱於虛幻。

8. 以一張名畫為例談談賞析心得

以一張名畫為例談談賞析心得
最喜愛的一首名曲
我要卡住命運的咽喉，它決不能把我完全壓倒。 ——題記
四個樂章結構嚴謹，手法簡練，形象生動，激昂的情緒，宏大的氣魄，富有強烈的藝術感染力——組成了了它——命運交響曲。
開篇的四個音符，剛勁沉重，那是命運在敲打著門窗，似乎帶著隱隱的驚惶不安。明亮的快板、奏鳴曲式貫穿著第一樂章，推動音樂不斷向前發展。激昂有力、勇往直前的曲調正體現了貝多芬那充滿憤慨和向封建勢力挑戰的堅強意志。圓號帶著由命運動機變化而來的號角音調，溫柔、抒情、優美，似乎在訴說著貝多芬對幸福、美好生活的渴望和追求。漸漸的，轉調開始變得愈加頻繁，這是命運動機再次闖入。
當第一樂章逐漸趨於終結，驚慌不安與溫柔舒緩在音樂中匯合，帶給我以恢弘而不和阻擋的氣勢，不知道，百年前的貝多芬，是否也在以這樣激動的的心情詮釋著他的對人民戰勝黑暗的堅強意志的歌頌和必勝的信念？
第二樂章在稍快的行板、雙重主題變奏曲式中拉開帷幕。富有彈性的節奏和起伏的旋律，更顯得抒情、安詳，英雄的樂觀情緒以及從沉思中獲得進一步斗爭的信心和力量，盡在這一刻淋漓盡致的展現。大提琴和低音提琴發出了躍躍欲試的音調，小提琴卻是無可奈何的嘆息。第三樂章中，命運依然凶險逼人，決戰的第一階段仍由命運取勝。但是，黑暗必將過去，曙光就在眼前，伴隨著低音弦樂奏出的舞蹈主題，振奮人心的樂段緩緩上演，它象徵著人民群眾在黑暗勢力下的斗爭信心和樂觀情緒。樂隊的音域在增大，音響在增強，一種不可抑制的力量把音樂直接導入那光輝燦爛的終曲。
雄偉壯麗的凱旋進行曲，曲調輝煌，既而歡快，那是人民獲得勝利的無比歡樂。遠遠地又響起了命運的威嚇聲，但已是苟延殘喘，再也阻擋不住歷史前進的潮流。 輝煌、明亮的曲調再次響起，排山倒海，人民經過斗爭終於獲得勝利的無比的歡樂，在此時此刻，已經難以再用言語來形容。這場與命運的決戰，終於以光明的徹底勝利而告終。
這就是命運交響曲，高亢、激昂，催人奮進。這首在飽嘗人生磨難、忍受身體與心靈雙重傷害後，向命運發出的挑戰與吶喊，是孤獨的訴說，是病痛的呻吟，是憤懣的渲泄，是對人生多舛的拷問！
從貝多芬的音樂中，我讀出了他的堅韌，對不幸的抗爭，更被貝多芬扼住命運之喉，用音樂重塑人生的不屈不撓精神深深震撼！
我愛它——命運交響曲。是它教會了我樂觀，教會了我堅毅，在命運面前永不退縮。困難與失敗並不可怕，只要我能夠執著奮斗、永不言敗，再多的艱難困苦，都將成為我走向成功的墊腳石；只要我能夠堅持不懈、矢志不移，我就是永遠的強者！

順一門有百福 平安二字值千金 萬象更新