簡單油畫賞析

① 油畫賞析

薩爾瓦多·達利的名作——《記憶的永恆》
圖片見此處：http://www.dysx.cn/sxblog/user1/12/upload/200611285229.jpg

簡單賞析：作於年的油畫《記憶的永恆》典型地體現了達利早期的超現實主義畫風。達利承認自己在《記憶的永恆》這幅畫中表現了一種"由弗洛伊德所揭示的個人夢境與幻覺"，是自己不加選擇，並且盡可能精密地記下自己的下意識，自己的夢的每一個意念的結果。而為了尋找這種超現實的幻覺，他曾去精神病院了解患病人的意識，認為他們的言論和行動往往是一種潛意識世界的最真誠的反映。達利運用他那熟練的技巧精心刻畫那些離奇的形象和細節，創造了一種引起幻覺的真實感，令觀眾看到一個在現實生活中根本看不到的離奇而有趣的景象，體驗一下精神病人式的對現實世界秩序的解脫，這也許是超現實主義繪畫的真正的魅力所在。
而達利的這種將幻覺的意象與魔幻的現實主義作對比的手法，更使得他的畫在所有超現實主義作品中最廣為人知。

作者簡介：
薩爾瓦多.達利 二十世紀最偉大的超現實主義畫家。

1904年5月11日生於西班牙菲格拉斯，1989年1月23日逝世。西班牙超現實主義畫家和版畫家，以探索潛意識的意象著稱。與畢加索、馬蒂斯一起被認為是二十世紀最有代表性的三個畫家。

他是一位具有卓越天才和想像力的畫家 。在把夢境的主觀世界變成客觀而令人激動的形象方面，他對超現實主義、對二十世紀的藝術做出了嚴肅認真的貢獻。達利的一生充滿了傳奇色彩。除了他的繪畫，他的文章、他的囗才、他的動作、他的相貌、他的胡須和他的宣傳才能。他用所有這一切，在各種各樣的語言中造就了超現實主義這一個專有名詞，去表示一種無理性的、色情的、瘋狂的而且是時髦的藝術。達利的生活本身就是一個十足的超現實主義者，以至其它的超現實主義者對他的篤誠和繪畫成就，抱有強烈的懷疑態度。主要的證據也許就是他那些繪畫，沒有人能夠否認得了他那無盡的才能、想像能力或者他所顯示的強烈信心。

② 《馬拉之死》油畫的賞析

馬拉之死》是法國新古典主義畫派奠基人雅克·路易·大衛於1793年創作的畫布油畫，現收藏於比利時皇家美術館。

《馬拉之死》刻意營造了一個屬於窮人的空間。在封閉狹小的陋室里，馬拉倒在浴缸中，一手握著筆，一手握著染了鮮血的信，油畫的上半部筆觸鬆散凌亂，可能是一面牆，也可能只是含糊不明的空間，代表著永恆的虛無，但那個充當書桌、粗糙平實的木箱，彷彿在訴說著馬拉的美德。

《馬拉之死》創作於法國歷史上動盪，血腥，也是偉大的變革時期。路易十六治理下的法國當時正處於一場危機中，這一波災難的導火線照例是金融危機， 法國因資助美國爭取獨立而洋洋得意，但財政上的拮據又迫使國王向人民增稅。

《馬拉之死》畫中的人是被仁慈、正直和無私的愛國情懷所美化的人，皮膚的色調如同冰冷的石頭，馬拉身上的傷口醒目、細致，如同十字架上耶穌身上的傷口，而馬拉此時似乎也有著耶穌般的感召力，整幅畫彌漫著悲涼的美感。

似乎有宗教崇拜的意義，有著超強的說服力，鎮定而堅毅的遺容好像表明馬拉並沒有死。畫家塑造了一位已經死去但仍永遠活著的英雄。又為馬拉的手上的信箋，填上動人的內容。這樣的藝術創造，為的是打造一個聖徒般的馬拉，引起不明真相的觀者對刺殺者的痛恨。

該畫作用筆結實有力，以寫實的筆法刻畫雅各賓派領袖馬拉遇刺身亡。暗淡沉鬱的畫面充滿了悲劇色彩，表述的是一個撼動人心的歷史瞬間，反映了一個真實的具有激情與理想、流血與死亡的大革命時代。在營造馬拉「聖徒」形象的技巧方面，大衛畫的馬拉整體姿態。

特別是下垂的胳膊，巧妙地將觀畫者的感受與耶穌基督下十字架的印象聯系了起來。作為一個天主教國家，耶穌基督下十字架時的形象，通過各位知名或不知名的畫家，存在於天主教世界的各個角落，拉斐爾等大畫家都有過類似的表達。

雅克·路易·大衛（Jacques-Louis David，1748年8月30日-1825年12月9日）是法國畫家，古典主義畫派的奠基人，藝術教育家，學生有新古典主義代表人讓·奧古斯特·多米尼克·安格爾，讓·巴蒂斯特·卡米耶·科羅等。畫風嚴謹，技法精工。

(2)簡單油畫賞析擴展閱讀：

19世紀法國現代派詩人、評論家夏爾·皮埃爾·波德萊爾認為《馬拉之死》沒有迂腐平庸之處，既有一種柔和的的情調，同時又有一股動人心魄的力量。該畫作是一出觸目驚心的戲劇。一種非常強烈的表現力使得該幅作品成為現代藝術的奇跡之一。

1893年《馬拉之死》油畫才被比利時的布魯塞爾博物館收藏。現收藏於比利時皇家美術館。1982年，《馬拉之死》隨法國250年畫展到中國北京展出。

③ 一些經典的油畫或者國畫賞析

宋張擇端《清明上河圖》，顧愷之《女史箴》《洛神賦》，吳道子《送子天王圖》回，周昉答《簪花仕女圖》《紈扇仕女圖》。五代山水：荊浩《匡廬圖》、董源《瀟湘圖》、巨然《秋山問道圖》、關同《關山行旅途》等。北宋：李成《晴巒蕭寺圖》、范寬《溪山行旅圖》《雪景寒林圖》。南宋四家：李唐、馬遠、夏珪、劉松年。人物畫大師：李公麟、梁楷、牧溪。元四家：黃公望、王蒙、倪瓚、吳鎮。明四家：沈周、文徵明、唐寅、仇英，就是我們知道的四才子。元代著名的水墨花鳥畫家：王淵、陳琳、柯九思、王冕。宋代花鳥和元代文人畫。 如果喜歡可以去看cctv播的國寶鑒賞，很好看哦

④ 如何欣賞油畫

1、觀察來畫面時，重點放在源對畫面整體效果和光照，通過對畫面總體形式的觀察、結合生活和藝術的經驗，獲得一個新鮮的印象。新印象該是最淳樸、最直觀。

⑤ 油畫賞析的課怎麼上

創作手法抄多採用現實主義，畫面基調明朗、昂揚、簡潔，著力選擇具有戲劇性的場景，努力塑造具有典型意義的形象，並帶有一定的理想化色彩。雖然人們可以輕易地指出這些繪畫在結構、色彩、構圖上不夠完善的地方，但是作品所流露出的真摯情感，呈現出的深邃的歷史感，達到了平凡中見神奇的境界。
現實主義風格..
作者 中國油畫協會主席 詹建俊
至於 哪個 聯系建國六十周年分析作品的時代意義 我說不好 一般學美術的嘴笨

⑥ 請用簡短的語言，對第二課《20世紀的藝術大師》課本中馬蒂斯的油畫作品《藍衣女人》進行欣賞評述

你好。- -

馬蒂斯的油畫呢，一般都是色彩絢麗但又不失和諧，同時還追求一種單純原始的稚氣。他把野獸派時代的強烈原色畫面，逐漸變成靜謐和諧的畫面，他也因此獲得了「顏色與線條游戲家」的美譽。

馬蒂斯作品中的人物，在平面中都呈現出東方式的剪影效果，正如他的作品《藍衣女人》，整個畫面都是由平面的色塊組成，人物沒有一點體積感，而呈現剪影式效果。從這幅畫中，我們看到了剪紙拼貼畫的前奏，它不追求人物的體積塑造，而以極其簡練的色彩概括其本質特徵，這與東方繪畫、特別是中國繪畫形成共同點。馬蒂斯說過：「我的啟示來自東方。」- -

《藍衣女人》這幅作品是創作於1937年。

這幅作品的整個畫面，都充滿著濃郁的裝飾味道。畫中一個盛裝的女子，安靜地坐在沙發上，一件藍色的長裙顯得溫文而雅，很有修養。紅、黑、黃色相間的背景使畫面很醒目，在大面積湖藍的映襯下，卻不顯浮躁。藍衣女人在對比強烈的背景下，顯得很突出；整體畫面干凈，沒有多餘的色彩和筆觸。

我們再仔細看，畫中的女人呢，手裡拿著念珠在沉思，她戴著黃色含羞草編成的頭冠，猶如火圈縈繞在頭上，與其左側的黃色圖像相呼應。顏色平整而明亮。

馬蒂斯將對象與背景的細節作了省略與歸納，物體與空間均處理為平面的色塊，少女所著的藍衣與背景、椅的紅色與黑色形成鮮明的對比，藍衣上的白邊分割著整個畫面，白邊上的流暢曲線自上而下使畫面活躍起來。而馬蒂斯對少女的面部沒有作任何深入的描繪，只做了簡單的的勾勒。

整個畫面的風格比較協調，具有色彩沖擊力和表現力。作品中的線條和色彩十分單純，而且具有比較明顯的主觀成分，對藝術形式——線條、色彩、構圖的追求，遠遠勝過對人物神態的刻畫。在馬蒂斯看來呢，藝術作品的內容是次要的，重要的是藝術形式的美。在描繪人物時，更多注意的是曲線的優美、色塊的布局、色彩的對比和裝飾的趣味，而不是對象的面部表情。

這幅畫採用的是隱喻的方式，後來也成為了馬蒂斯的主要風格。

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⑦ 吶喊 油畫賞析1000以上

《吶喊》
愛德華．蒙克Edvard Munc作品欣賞
1893 年
91x73.5cm
紙 粉彩
奧斯陸國家美術館

1890年，他開始著手創作他一生中最重要的系列作品「生命組畫」。這套組畫題材范圍廣泛，以謳歌「生命、愛情和死亡」為基本主題，採用象徵和隱喻的手法，揭示了人類「世紀末」的憂慮與恐懼。蒙克1893年所作的油畫《吶喊》，是這套組畫中最為強烈和最富刺激性的一幅，也是他重要代表作品之一。在這幅畫上，蒙克以極度誇張的筆法，描繪了一個變了形的尖叫的人物形象，把人類極端的孤獨和苦悶，以及那種在無垠宇宙面前的恐懼之情，表現得淋漓盡致。蒙克自己曾敘述了這幅畫的由來：

「一天晚上我沿著小路漫步——路的一邊是城市，另一邊在我的下方是峽灣。我又累又病，停步朝峽灣那一邊眺望——太陽正落山——雲被染得紅紅的，象血一樣。

「我感到一聲刺耳的尖叫穿過天地間；我彷彿可以聽到這一尖叫的聲音。我畫下了這幅畫——畫了那些象真的血一樣的雲。——那些色彩在尖叫——這就是『生命組畫』中的這幅《吶喊》。」(Thomas M．Messer著《愛德華·蒙克》，Harry N．Abrams，INC，Publishers，NewYork，第84頁。筆者譯。)

在這幅畫上，沒有任何具體物象暗示出引發這一尖叫的恐怖。畫面中央的形象使人毛骨悚然。他似乎正從我們身邊走過，將要轉向那伸向遠處的欄桿。他捂著耳朵，幾乎聽不見那兩個遠去的行人的腳步聲，也看不見遠方的兩只小船和教堂的尖塔；否則，那緊緊纏繞他的整個孤獨，或許能稍稍地得以削減。這一完全與現實隔離了的孤獨者，似已被他自己內心深處極度的恐懼徹底征服。這一形象被高度地誇張了，那變形和扭曲的尖叫的面孔，完全是漫畫式的。那圓睜的雙眼和凹陷的臉頰，使人想到了與死亡相聯系的骷髏。這簡直就是一個尖叫的鬼魂。「只能是瘋子畫的」，蒙克在該畫的草圖上曾這樣寫道。

在這幅畫上，蒙克所用的色彩與自然保持著一定程度的關聯。雖然藍色的水、棕色的地、綠色的樹以及紅色的天，都被誇張得富於表現性，但並沒有失去其色彩大致的真實性。全畫的色彩是郁悶的：濃重的血紅色懸浮在地平線上方，給人以不祥的預感。它與海面陰暗處的紫色相沖突；這一紫色因伸向遠處而愈益顯得陰沉。同樣的紫色，重復出現在孤獨者的衣服上。而他的手和頭部，則留在了蒼白、慘淡的棕灰色中。

畫中沒有一處不充滿動盪感。天空與水流的扭動曲線，與橋的粗壯挺直的斜線形式鮮明對比。整個構圖在旋轉的動感中，充滿粗獷、強烈的節奏。所有形式要素似乎都傳達著那一聲刺耳尖叫的聲音。畫家在這里可以說是以視覺的符號來傳達聽覺的感受，把凄慘的尖叫變成了可見的振動。這種將聲波圖像化的表現手法，或許可以與梵谷的名作《星夜》中力與能量的圖像化表現相聯系。蒙克在這里，將那由尖叫所產生的極度的內在焦慮，轉化為一種令人信服的抽象意象。如此，他將其畫面上的情感表現幾乎推向了極致。

愛德華．蒙克(Edvard Munch，1863-1944)偉大的挪威畫家，現代表現主義繪畫的先驅。

愛德華．蒙克(1863-1944)是具有世界聲譽的挪威藝術家，西方表現主義繪畫藝術的先驅。他的繪畫帶有強烈的主觀性和悲傷壓抑的情調。畢加索、馬蒂斯就曾吸收他的藝術養料，德國和法國的一些藝術家也從他的作品中得到啟發。

人們發現,在繪畫藝術中,精神分裂症能喚起沒有藝術素養的人的藝術活力,有時還能增加已成名的藝術家的創造力.也許像心理學家們所表明的那樣,藝術家確實存在潛在的精神病的傾向,而藝術創作則有助於防止潛在的精神錯亂表面化.有位作家曾說過:"有時我奇怪,所有那些不寫作、譜曲或畫畫的人是怎樣做到得以逃避發瘋、憂郁、驚恐這些人類境遇中總是存在的東西."這種繪畫的治療作用在表現主義繪畫之父愛德華．蒙克身上表現得猶為明顯.

蒙克於1863年出生在挪威的一個知識分子家庭.父親是位知識淵博、閱歷豐富的軍醫,母親也受過良好的藝術教育.在他5歲那年,母親因患肺結核而去世,姐弟五人由姨母代養,母親去世後,父親難過得好幾天沒有走出家門,他抑鬱的神經強烈地感染了失去母親的蒙克,這是他一生中首次感受到死亡的恐怖.蒙克13歲那年,年長兩歲的姐姐也因肺病去世.

蒙克與姐姐關系十分相好,感情極深,她的死再次刺激了蒙克的神經.接下來他的妹妹也患了精神分裂症.這一系列的打擊所引發的傷痛,深深地印在了蒙克的內心裡,決定了蒙克的性格和他前半生創作的基調.從他的《病孩》、《母親之死》和《在靈床旁》等作品中我們能很清楚地看到這一點.特別在1889年父親去世後,他的精神更是無法寄託,性格變得憂郁而孤僻.孤獨、絕望、死亡等感覺深深地困擾著年輕的蒙克,到了非表達不可的程度.他要吶喊,他要畫出活生生的人們,以及他們的呼吸、感覺和受苦受難.在這一時期,他畫出了他最重要的作品《吶喊》.畫面表現的是一個形似成形嬰兒的小人張著口從橋上跑來,遠景是海灣和落日景象.天空像滾動著的血紅色波浪,令人感到震顫和恐怖,彷彿整個自然都在流血.蒙克後來在談及此畫時說:"我和兩個朋友一起走著,夕陽西沉,天空變得像血一樣紅,我忽然無精打采,極度疲倦地止住腳步,黝黑色的海峽和道路顯示著血與火一樣的光舌.朋友走著,我卻一個人停在那裡因不安而顫抖著,我感到了自然強烈的吶喊."

蒙克的《吶喊》和他所有的作品一樣,都是通過自身體驗才畫出的,他不是為了藝術而藝術,他所表達的只是有關他自己的憂郁和不安.這就是他的創作的原動力所在.蒙克正是通過創作才打開了自己幽閉著的情感通道,在不自覺中泄露了自己無意識的情感,使內心產生的巨大精神能量得以渲泄.正如弗洛依德相信夢能使緊張在某種程度上緩解一樣,通過藝術來表達情感可以使他自己達到一種較為平和的狀態.倘若不是通過大量的創作來表達自己,那他也許早就像其妹妹一樣過早地精神崩潰了.

不幸的是,蒙克還是在1908年精神分裂了.在精神分裂中,他的精神得到了最徹底的解脫.從丹麥的哥本哈根接受治療回到挪威後,他仍能以很高的熱情堅持創作,他為奧斯陸大學講演廳創作熱力四射的巨大壁畫《太陽》,也畫了一些諸如《掃雪回家》和《工人回家》等純朴自然的畫作,但他作品所表達的東西與發病前徹底不同了,作品變得明亮、寧靜而富哲理.這就是美術史學家們所稱的"第二時期".從這一時期的作品中我們只能得出一個結論,那就是蒙克內心的痛苦和沖突已經被釋放得無影無蹤了。

⑧ 油畫《啟航》50字賞析

《啟航》冷灰色的背景使畫面氣氛顯得濃重、壓抑，船艙上邊幾道亮麗的橘色裝飾紋樣與船艙內橘色燈光、董必武的淡橘色長衫與船窗的深橘色又形成某種聯系，橘色穿越似地把整個畫面提亮，使畫面在莊重嚴肅之中又不乏激情。畫面中，冷色、暖色、深色、淺色互相穿插，色彩表現充分、有序。看似激情澎湃的畫面背後卻有一種有序的穩定的結構在控制著畫面的節奏。

⑨ 油畫畫作應從哪些角度切入賞析

我們先以巴洛克繪畫與古典主義之區分來今日我們的話題。我們一般認為巴洛專克的對立面是屬古典，但隨著我研究深入，我發現這樣不準確，首先古典的內涵很廣，其次與其對比巴洛克和古典不如對比線性和和塗繪的繪畫更加明確。而事實上，古典的真正含義在我看來是平衡，假如說其中的一極是和諧與線性，另一極則是真實和塗繪，拉斐爾等人實際上更側重在和諧和真實之間結合。所以說我個人認為和魯本斯產生最鮮明反差的不是大維特不是拉斐爾，而是波提切利和弗朗切斯卡。

⑩ 四個步驟告訴你如何欣賞油畫

第一，色彩。由於油畫色彩極具豐富性和力度感，被業界稱為是「繪畫中的交響樂」，所專以，好油畫對色彩的運屬用就像好音樂一樣能引起觀眾的共鳴，它能把人帶入一個神秘的特殊境界——或典雅、或庄嚴、或壓抑等。第二，筆觸。觸是帶有顏料的油畫筆在畫布上運動的痕跡，恰當的筆觸應當述說著畫家的情感和對美學偏好，也能敏銳地顯現著不同時代審美趣味的變更。比如，魯本斯飽蘸稀薄明亮顏色的大筆，塗抹留下的自由奔放、多呈曲線的筆觸，給人強烈動勢和戲劇性沖突之感；哈爾斯輕快靈活的筆觸下描繪的肖像，讓人讀出人物神采奕奕的生動感。第三，構圖。構圖是作品形式美的一個重要因素，在滿足人審美需求的同時，也傳遞著某種思想，欣賞者可以從不同的構圖中得到或平靜或穩定或傾斜或壓抑之感。第四，內容。這也是欣賞者和畫家最直接交流的一條途徑。按照畫面刻畫的是什麼、刻畫得逼真否、畫中形象要傳達什麼寓意等步驟，很容易就能體會到畫家的喜怒哀樂