國畫賞析

Ⅰ 白鷺中國畫的賞析

白鷺的美在於它潔白無瑕，在於它的窈窕。當你讀到「那雪白的蓑毛」專的語句的時候屬，你的眼中還僅僅是白鷺嗎？不，她已幻作一隻身著素衣的仙子，她亭亭玉立，她超凡脫俗，她可以隨風起舞，她可以卓而獨立，此時的白鷺，給我的是聖潔的美，是攝人心魂的美！
當你讀到「在清水田裡，時常有一隻兩只白鷺站著釣魚」時，此時，我眼中的白鷺是一位垂釣的高手，他釣的是一田的清水，它釣的是悠然自得，它釣的閑情與逸事。他靜然站立的姿勢，如一幅清麗的圖畫讓我耳目清新。
白鷺的美，在於它意味深長的美，在於它讓人浮想聯翩的美。白鷺「孤獨地站在在小樹的絕頂。」它哪裡是不大安穩，它分明是站在生活的高處，在笑看花開花落，它靜思的姿態如充滿智慧的哲人，它是在瞭望？是在盼歸？是在等待？它是在欣賞絢爛的朝霞？是在呼吸清新的氣息？
白鷺的美，在於它那「低低的飛」，在晚霞燃燒的映襯里，「落霞與白鷺齊飛，秋水共長天一色。」它在空中劃出美麗的弧線，它把詩情引到鄉村暮色。

Ⅱ 淺析：如何欣賞和評價國畫

欣賞和評價國畫的優劣的標準是南齊謝赫在《古畫品錄》中歸納的「六法」，這是千百年來被繪畫界和書法界所公認的。哪六法呢：「一曰氣韻生動、二曰骨法用筆、三曰應物象形、四曰隨類賦采、五曰經營位置、六曰傳移模寫」齊白石都把九十歲了，可他的話依然是氣韻生動，筆力遒健，章法獨具，換別人恐怕早已文思枯竭了吧。可以說，齊白石的畫六法具備，他的「畫妙在似與不似之間，不似則欺世，太似則媚俗」可謂悟到了藝術的真諦。
氣韻兼力、格制俱老、變異合理、彩繪有澤、去來自然、師學舍短。及粗鹵求筆、僻澀求才、細小求力、狂怪求理、無墨求染、平畫求長」這些中國畫欣賞和評價的語義，理解了你就能理解國畫的精髓。
中國人的美學觀點；以自然為美啊！清水出芙蓉，天然去雕飾！現在街上的女人，這樣風格的已經非常少了！
中國書畫，書法是基礎，沒有書法的基礎，你就不懂中國的藝術！豐子凱的畫非常簡單，但是，大家為什麼非常喜歡他，一個是意境，還有就是純厚的技法！
前幾天范增在說，畫畫主要還是技術的磨練！這個應該非常正確！哪個人都有自己的看法，關鍵是你能不能夠表達出來！
簡單說，中國畫的「意境」說其實和中國藝術傳統中的「禪」很有關系。尤其是如齊白石那樣的「文人畫」更甚。離開了「禪」的意境追求，恐怕這幅畫的「中國特色」就丟了一半的分了。而有了這個「禪」意的矛盾審美標准限制，中國畫在大部分的題材中就不容易有更多的思想和哲理追求。這是「傳統」國畫的致命傷。不改革，不會有發展的機會了。
個人以為，當代是不可能出大書法家和大國畫家的，因為現在主流書畫界的人，心思都 太勢利，太小器，缺乏堅守和境界，當然也不願下苦功夫，無論是人的境界還是筆墨的水平，都太水。
有幾個有些趣味的，卻只是在故紙堆里找僵屍氣，令人作嘔，而那些曾經大肆流行的所謂流行書風，就是胡鬧，不提也罷。
中國的美術界文化程度普遍低。過去是那樣，現在也是如此。從進人的那一關開始，招人的品行和文化層次就決定了以後的產品：虛狂和低格調。所以，中國的美術匠氣十足，盲目跟風。和傳統的小家子的文人畫品味一脈相連，那怕現在他們能熟練地操作西畫技巧。中國人的畫能夠反映現實生活的豐富表層，也就很不錯了。無疑，齊白石的畫是做到了這一層的。至於涉及深層審美意識，無論現在還是過去，這個圈子天生的缺少這種底氣，因為這是由這個圈子裡的人的品行和文化層次決定了的。
西畫和國畫審美意識完全不同，前者求真，反映的是科學精神，後者求意，反映的是傳統文人的情調。
西畫代表人物，拉菲爾，米開朗基羅，達芬奇等所代表的審美意識是中國傳統文人的審美意識所望塵莫及的。比加索說的話不能太當真。
繪畫的本質就是復制自然。因為自然的美是繪畫技術所不能完全再現的，西畫同樣也做不到，更不要說國畫了。另外，攝影藝術也同樣做不到。所謂的「藝術源於生活，又高於生活」只是一種自我的包裝，當不得真的，所以，從純價值尺度看，求真的西畫肯定高於寫意的國畫，因為那更接近繪畫的本質。國畫本質上也是復制自然，只是技術手段比不上西畫而已。所以，只能追求寫意，正因如此，國畫框框套套太多，已脫離了繪畫的本質，成為國畫自身的障礙，這也是中國文人的品味所決定的，如看國畫就看字這種論調就一種。拋棄純價值尺度，國畫作為一種小家子氣的畫種有它特定品味和審美受眾，也算是一種風格，從這點上講，有其自身獨特性，可以成為與西畫並例的一種風格，僅此而已

Ⅲ 中國畫一般的鑒賞方法

賞析的基本方法

中國畫的鑒賞按科分，各有鑒賞重點

山水畫：一看筆墨，二看大勢，三看氣韻。

人物畫：一看筆墨，二看造型（形態），三看神韻。

花鳥畫：一看筆墨，二看形神，三看賦彩。

中國畫的鑒賞，如果按欣賞的距離說，要把握住近看筆墨，中看構圖，遠看氣韻。

說得具體一點，可操作性一點，即：一二步看筆墨，四五步看構圖（大勢），八九步看氣韻。

看筆墨主要是看筆觸美不美，筆力是否遒勁，力能扛鼎。墨色是否充盈華滋，是否渾然一體。

看構圖主要看大勢是否得體，有氣勢，是否新穎。

看氣韻主要是看是否形神兼具，生動放逸。

(3)國畫賞析擴展閱讀

中國畫的特點

中國畫有著自己明顯的特徵。傳統的中國畫，依南朝謝赫的古畫品錄評論：

講究「氣韻生動」，不拘泥於物體外表的肖似，而多強調抒發作者的主觀情趣。中國畫講求「以形寫神」，追求一種「妙在似與不似之間」的感覺。

講究筆墨神韻，筆法要求：平、圓、留、重、變。墨法要求墨分五色，焦、濃、重、淡、清。

講究「骨法用筆」，不講究焦點透視，不強調環境對於物體的光色變化的影響。

講究空白的布置和物體的「氣勢」。

可以說西洋畫是「再現」的藝術，中國畫是「表現」的藝術。

國畫是要表現「氣韻」、「境界」。

繪畫的工具

「筆墨紙硯」是中國古代文人不可缺少的工具，號稱「文房四寶」，其意義不止於書寫繪畫方面，中國文人對其給予了深厚的文化內涵和感情，歷代文人書畫大家和筆墨紙硯相關的故事舉不勝舉。

筆

毛筆是中國所創，並影響到朝鮮，日本，等亞洲廣泛地域的傳統書寫習慣。毛筆分硬毫，軟毫和兼毫，硬毫以狼毫（黃鼠狼尾）為代表，軟毫以羊毫（山羊須）為代表，根據寫字繪畫，種類，以及個人習慣的不同，用筆也不一樣，羊毫柔軟，狼毫剛健，兼毫柔中帶剛。

中國的書法和繪畫，都是與毛筆的使用分不開的。尤其以湖州（今浙江善璉）之湖筆，宣州（今安徽涇縣）之宣筆，及江西進賢之筆為上。

墨

墨分「油煙」和「松煙」兩種，油煙墨用桐油或添燒煙加工製成；松煙墨用松枝燒煙加工製成。古代徽州所產之墨，歷來為文人所喜愛，徽墨有金不換之美稱。

顏料有兩種，使用起來會產生不同的效果，其一種是植物質的，如花青、滕黃、胭脂、牡丹紅等，性能是透明、質細，但年久會褪色；另一種是礦物質的，如硃砂、朱漂、頭青至三青、頭綠至三綠、赭石、石黃、白粉等，性能是不透明，有覆蓋力，年久不褪色。

紙

中國畫用紙種類廣泛，如宣州所產宣紙，四川的皮紙，河南禹縣布紙、湖南來陽棉紙等等，推而廣之，不但是紙，綾，絹等織物都是繪畫的材料。

但宣紙種類多，產量高，品質好，其特性將國畫要求的筆墨神韻能最好的發揮出來，且較絹等價格便宜，故宣紙幾乎已成為國畫用紙的代名詞。

宣紙分生宣和熟宣兩種。熟宣是用礬水加工過的，水墨不容易滲透，在上面可以工整細致地描繪，反復地上色，因此像絹織物一樣，適合於畫工筆畫；生宣是沒有經過礬水加工的，水墨容易滲透，落筆為定，無從更改，而且滲透開來，能產生豐富的筆墨變化，所以寫意畫多用生宣。

硯

硯是磨墨用的。要求細膩滋潤，容易發墨，並且墨汁細勻無渣。硯以安徽歙縣之歙硯，廣東端溪的端硯，甘肅的洮硯、及山西的澄泥硯、最為名貴，號稱四大名硯。常有古人為求一方名硯，不惜傾其所有。

除文房四寶之外，印章、印泥、筆架、筆洗、筆筒、文鎮等相關繪畫用具還有很多，廣義的文房四寶也將以上所舉列入其中。

參考資料來源：網路-中國畫

Ⅳ 國畫怎麼欣賞

欣賞和評價以齊抄白石的「襲六法」為准。
國畫的優劣的標準是南齊謝赫在《古畫品錄》中歸納的「六法」，這是千百年來被繪畫界和書法界所公認的。哪六法呢：「一曰氣韻生動、二曰骨法用筆、三曰應物象形、四曰隨類賦采、五曰經營位置、六曰傳移模寫」。
氣韻兼力、格制俱老、變異合理、彩繪有澤、去來自然、師學舍短。及粗鹵求筆、僻澀求才、細小求力、狂怪求理、無墨求染、平畫求長」這些中國畫欣賞和評價的語義，理解了你就能理解國畫的精髓。

Ⅳ 一些經典的油畫或者國畫賞析

宋張擇端《清明上河圖》，顧愷之《女史箴》《洛神賦》，吳道子《送子天王圖》回，周昉答《簪花仕女圖》《紈扇仕女圖》。五代山水：荊浩《匡廬圖》、董源《瀟湘圖》、巨然《秋山問道圖》、關同《關山行旅途》等。北宋：李成《晴巒蕭寺圖》、范寬《溪山行旅圖》《雪景寒林圖》。南宋四家：李唐、馬遠、夏珪、劉松年。人物畫大師：李公麟、梁楷、牧溪。元四家：黃公望、王蒙、倪瓚、吳鎮。明四家：沈周、文徵明、唐寅、仇英，就是我們知道的四才子。元代著名的水墨花鳥畫家：王淵、陳琳、柯九思、王冕。宋代花鳥和元代文人畫。 如果喜歡可以去看cctv播的國寶鑒賞，很好看哦

Ⅵ 怎樣欣賞中國畫

1、看

「四看」原則：一看氣韻；二看意境；三看筆墨；四看詩書畫搭配。

對人物畫的欣賞要像看電影、看小說、看環畫那樣看其是否用筆精準，看其是否細膩傳神，看其是否主題突出、故事精彩、情節感人。

2、游

對待山水畫欣賞要像旅遊區旅客觀景一樣一路仔細地觀覽過去。北宋畫家郭熙提「高、深·平」的「三選法」，就是對待一幅完整的山水畫要採取「平遠、深遠、高遠」的辦法來進行鑒賞。

3、悟

對待花鳥畫欣賞要像在花園里賞花在古玩店裡鑒賞古玩一樣認真觀賞，最後參悟出其精神內涵和表達的主題思路。

最後，簡單的說說當前中國畫鑒定：

一是看紙質（新老渲紙、麻紙、帛，有別於老畫新畫）；

二是看筆墨（是否是印刷品再添筆，現今行畫有本刻水印，作坊拼圖等高仿作品）；

三是看結構（是否屬於拼湊成圖）；

四是看繪印（書法、印章是否真實）。

(6)國畫賞析擴展閱讀：

一、中國畫的特點

1、講究「氣韻生動」，不拘泥於物體外表的肖似，而多強調抒發作者的主觀情趣。中國畫講求「以形寫神」，追求一種「妙在似與不似之間」的感覺

2、講究筆墨神韻，筆法要求：平、圓、留、重、變。墨法要求墨分五色，焦、濃、重、淡、清。

3、講究「骨法用筆」，不講究焦點透視，不強調環境對於物體的光色變化的影響

4、 講究空白的布置和物體的「氣勢」。

二、中國畫的分類

1、人物畫

我國的人物畫，歷史悠久。據記載，商、周時期，已經有壁畫。東晉時的顧愷之專尚畫人物畫，是在我國繪畫史上第一個明確提出"以形寫神"主張的畫家。唐代閻立本也擅長人物畫。還有吳道子、韓斡等等。都為人物畫做出了的貢獻。唐以後畫人物畫的畫家就更多了，歷代都有。

2、山水畫

山水畫(俗稱風景畫、風光畫)，是專門的藝術學科，歷史悠久。自唐代以來，每一時期，都有著名畫家，專尚從事山水畫的創作。盡管他們的身世、素養、學派、方法等不同；但是，都能夠用過筆墨、色彩、技巧，靈活經營，認真描繪，是自然風光之美，欣然躍於紙上，其買相同，雄偉壯觀，氣韻清逸。

3、花鳥畫

中國花鳥畫多姿多彩，引人入勝。它與山水、人物畫並列為中國繪畫藝術的專門學科。花鳥畫就廣義講，應包括花鳥、禽獸、昆蟲、魚介等。

Ⅶ 對國畫作個賞析,怎麼作

照片太模糊了，但能看出兩只兔子間眼神溝通嘻戲的趣態。就構圖而言，大面積空籃，1
留給兔子足夠的活動空間，符合構圖規律。2
留空處可以題詞，適合做賀卡。

Ⅷ 求一篇點評國畫的賞析文章

在「元四家」中，若論對後代山水畫發展影響最深廣的，無疑是黃公望。他年資最高，直接受教於趙孟頫，從五代荊浩、關仝及北宋李成啟學，所以畫的品格極高。元代畫家開始以紙為畫本，趙孟頫的《水村圖》已見干筆皴擦，元畫靈動松秀的筆墨已然初具，而黃公望享年85歲，至其晚年則紙本水墨的技法已經爐火純青。其《富春山居圖》，可以說是代表其晚年風格的經典之作。

至元四年，黃公望79歲，一次從松江歸富春山居，偕好友無用禪師同行。暇日，黃公望始於山居南樓援筆作此長卷。但他經常雲游在外，而畫卷留在山中，只得「逐旋填札」，故「閱三四載未得完備」。無用似不放心，怕被人奪愛，便請黃公望在畫中題文，明確歸屬。但最後何時完成，終不得而知。清王原祁在《麓台題畫稿》中說是經營七年而成，但黃公望自動筆至去世也就只有七年。一幅畫畫了這么多年，也稱得上一奇，而二百五十年後藏者吳洪裕臨終前囑家人當面將畫焚燒殉葬，而其侄吳靜庵趁他彌留之際於火中奪畫殘卷，更是曠古之傳奇。至今，我們已無法確知原卷的長度，但知前《剩山圖》縱31.8厘米，橫51.4厘米；後《富春山居圖》縱33厘米，橫636.9厘米。圖繪富春江兩岸秋初的景色。開卷描繪坡岸水色，遠山隱約，接著是連綿起伏，群峰爭奇的山巒，再下是茫茫江水，天水一色，最後則高峰突起，遠岫渺茫。山間叢林茂密，點綴村舍、茅亭，水中則有漁舟垂釣。山和水的布置疏密得當，層次分明，大片的空白，乃是長卷畫的構成特色。筆墨上已顯然取法董源、巨然，但更為簡約利落。山石的勾、皴，用筆頓挫轉折，隨意而似天成。將近20厘米的長披麻皴，枯濕渾成，功力深厚，灑脫而極富靈氣，洋溢著平淡天真的神韻。全圖用墨淡雅，僅在山石上普染一層極淡墨色，並用稍深墨色染出遠山及江邊沙漬、波影，只有點苔、點葉時用上濃墨，但已足以醒目。這是一幅濃縮了畫家畢生追求，足以標程百代之作，無怪乎董其昌見了驚呼：「吾師乎！吾師乎！一丘五嶽，都具是矣！」

我有時將黃公望與王蒙晚年的畫作比較，感覺黃公望率真簡約但仍具象，而王蒙則蒼莽茂密趨向寫意。這是兩種不同的風格，並無優劣之分。蒼莽而寫意，難以捉摸，故王蒙的畫難學，明清兩代幾乎沒有得其真傳者。而黃公望的簡約而具象，似乎很合文人畫家的心意。經董其昌倡導，清初「四王」的努力耕耘，黃公望的畫風終於風靡清代將近三百年之久。但是每一個大畫家的畫風，都是極具個性的，並不適合被當作共性去擴散。後人怪罪「四王」將藝術創作「符號化」，殃及六百年前的黃公望，這也許是大半輩子以算卜為營生的黃公望怎麼也不可能預算到的吧。

Ⅸ 如何評論\欣賞國畫

菊花
秋叢復繞舍似陶家，遍繞籬制邊日漸斜。
不是花中偏愛菊，此花開盡更無花
離思五首

自愛殘妝曉鏡中，環釵漫篸綠絲叢。

須臾日射燕脂頰，一朵紅蘇旋欲融。

山泉散漫繞階流，萬樹桃花映小樓。

閑讀道書慵未起，水晶簾下看梳頭。

紅羅著壓逐時新，吉了花紗嫩麹塵。

第一莫嫌材地弱，些些紕縵最宜人。

曾經滄海難為水，除卻巫山不是雲。

取次花叢懶回顧，半緣修道半緣君。

尋常百種花齊發，偏摘梨花與白人。

今日江頭兩三樹，可憐和葉度殘金陵三首

其一

晉家南渡日。
此地舊長安。 ( 舊一作即 )
地即帝王宅。
山為龍虎盤。

( 上二句一作：碧宇樓台滿。青山龍虎盤。)

金陵空壯觀。
天塹凈波瀾。 ( 天塹一作江塞 )
醉客回橈去。
吳歌且自歡。 ( 一作誰雲行路難 )

其二

地擁金陵勢。
城回江水流。 ( 江一作漢 )
當時百萬戶。
夾道起朱樓。
亡國生春草。
離宮沒古丘。
空餘後湖月。
波上對江洲。 ( 江一作瀛 )

其三

六代興亡國。
三杯為爾歌。
苑方秦地少。 ( 少一作小 )
山似洛陽多。
古殿吳花草。
深宮晉綺羅。
並隨人事滅。
東逝與滄波。 ( 與一作只 )
春

Ⅹ 如何解析欣賞中國山水畫

山水畫是國畫門類裡面技法最成熟、成就最高的畫種，也是藏家投資收藏的首選畫種，因此具備一定的山水畫鑒賞知識，是一項必修課。

可以從以下六個方面來加以識別：
1
從構圖來看
與風景照片相比，山水畫的構圖是經過畫家苦心經營的。因此一幅好的山水畫，必須有好的構圖。好的構圖一般要符合以下兩個規律：

1、對立統一規律。體現在形式上有賓主、呼應、虛實 、疏密、開合、藏露、節韻等關系。
▪ 賓主——構圖要主次分明，不能喧賓奪主。
▪ 呼應——畫中一切物體（包括題款和印章），都要互相關聯，有呼有應。這樣才能氣脈貫通。
▪ 虛實——傳統山水畫常把雲和水作留白處理。白與黑，空與物，白與灰，灰與黑，就是虛實的對比。但實處要實而不塞，要透氣，要有「活眼」。如無中間的「活眼」，就是一盤「死棋」。虛處要虛而不空，即使是空白，也要讓它表示一種實體，既所謂「計白當黑」，這樣才能「虛實相生，無畫處皆成妙境」。

▪ 疏密——山水畫構圖最忌均勻整齊，古人說：「疏處可走馬，密處不通風。」這樣才能變化多姿。
▪ 藏露——畫要給人留有想像的餘地，一覽無余，就沒有情趣了。因此作畫要善於運用「藏」的方法。郭熙說：「山欲高，盡出之則不高，煙霞鎖其腰，則高矣。」「藏」，使人感到高深莫測，從而給觀者想像的空間，這就是「藏」的妙用。
▪ 開合——開與合是相對的矛盾。有對立，畫面才生動。開而不合，就會顯得不穩和散亂。有開有合，才能相對穩定。
▪ 節韻——即節奏與韻律。一幅好的山水畫，是有節奏美和韻律美的。這不僅體現在勾、皴、擦、染、點等筆法的運用上，也體現在整體的布局上，既要有變化又要有規律。

2、透視規律。西洋畫一般採用「焦點透視」，中國畫採用的是「散點透視」，也叫「移動透視」。「焦點透視」就象照相一樣，觀察者固定在一個立足點上，只能把視域以內的東西拍攝下來。「散點透視」則是移動著立足點來進行觀察的，所以不受視域的限制。把中國山水畫的透視歸納為「三遠」，即「高遠」、「深遠」、「平遠」。值得注意的是，在一張山水畫中，往往是「三遠」綜合運用的。
▪ 高遠—— 「自山下而仰山巔，謂之高遠。」也有一種說法叫作「蟲視」，即故意把自己放在低處，看什麼都是高大雄偉、氣勢磅礴，這種透視法宜於描繪崇山峻嶺。

▪ 深遠 ——「自山前而窺山後，謂之深遠。」這是站在山前或山上遠眺，並要移動視點才能看到的景象。這種透視法宜於表現幽深的意境。

▪ 平遠—— 「自近山而望遠山，謂之平遠。」這是在「平視」中所得的遠近關系。宜於表現坦盪開闊的南方山水。

2
從筆墨來看
用筆與用墨，是學習國畫首先要解決的的問題，是最能體現畫家功底的問題，因此也是識別一張國畫優劣的最主要的依據之一。
1、用筆。中國畫的造形達意，是以線為主來表現的。因此看一幅國畫用筆的好壞，主要是看這幅畫中線條的好壞。古人提出「書法用筆」，即要求畫家在作畫時要象寫書法一樣用筆。黃賓虹總結了前人的經驗，提出了「五筆」之說，即「平、圓、留、重、變」。
▪ 「平」 是指運筆時用力均勻，起訖分明，筆筆送到，要「如錐畫沙」。
▪ 「圓」 是指行筆轉折處要圓而有力，不妄生圭角，要如「折釵股」。
▪ 「留」 是指運筆要含蓄，要有迴旋，不浮不滑，要「如屋漏痕」。
▪ 「重」 即沉著而有重量，要「如高山墜石」。
▪ 「變」 一是指用筆要有變化，中鋒、側鋒、逆鋒、順鋒，根據需要隨機應變；二是指運筆要彼此相讓，互相呼應，氣勢連貫。宋代韓拙提出：「用筆有三病：一曰板、二曰刻、三曰結。」所謂「板」，是指線條扁平，沒有圓渾的立體感。所謂「刻」，是指筆劃過於顯露，妄生圭角。所謂「結」，是指行筆猶豫，線條不流暢。其他還有枯、弱、光滑、草率等，都是山水畫用筆的病忌。

2、用墨。墨色的變化，有「五彩」之說，即「焦、濃、重、淡、清」；也有「六色」之說，即「干、濕、濃、淡、黑、白」。不論是那種說法，無非就是講墨色的變化多端。山水畫用墨有三要：厚，透明，豐富。
▪ 「厚」 就是感覺要厚重而不輕薄。
▪ 「透明」 就是層次要清楚，不渾濁，不僵化。
▪ 「豐富」 就是指墨色多變，層次豐富。總之，看一幅山水畫的用墨好不好，主要是看用墨是否有變化、有韻味，層次是否清楚、豐富，能不能表現物象的立體感、質感和遠近的空間感。
3
從用色來看
傳統國畫著色多從物體固有的本色出發，很少考慮光的影響和變化，所以用色相對西洋畫來說比較單純，具有清新明快的特點。根據山水畫不同的種類，用色的要求也有所不同。
▪ 在淡彩山水中，以水墨為主，色彩只起輔助作用，用色要求「淡雅」、「清透」。要「墨不礙色，色不礙墨」。即墨足之處用色要清淡、透明，不讓色覆蓋了墨；濃的色彩要用在墨少之處，不讓墨破壞了色的清麗。這樣，二者才能相得益彰。
▪ 在重彩山水中，用色要求渾厚凝重而不膩濁，清麗鮮明而不單薄。
▪ 在潑彩山水中，用色要求色墨渾融，變化豐富，不臟不濁。
不管是淡彩、重彩還是潑彩，用色都要有一個主調，不能混亂、花俏。但在主調中又要求變化，不能單調、呆板。總之，既要有對比又要和諧統一。

4
從表現各種物象的技法來看
山水畫的技法很多，使用哪種技法，因物而異，因人而異，因畫而異。看一張畫中的技法用得好不好，主要是看這種技法在這張畫中，是否能充分表現對象的「形」與「神」，是否能充分表達作者的「意」。

5
從意境來看
好的山水畫，要有美的意境。意境是山水畫的靈魂。一幅畫，必須給觀者留有聯想和再創造的餘地，能使觀者受到感染並引發自身生活感受的共鳴，感到言外意，弦外音，境外味，才算是有意境。山水畫意境的類型，可分為三種情況：

▪ 以景勝 這類作品比較注重寫實，以真實感人的空間境象構成意境，把理想和感情融入實景之中，主要是通過境象自身誘發觀者聯想。它類似於詩的「無我之境」。這類畫，在古代山水畫中以宋畫居多。
▪ 以意勝 這類作品比較注重寫意，富有個性和情致，更明顯地流露出對主觀情感的表達，所塑造的空間境象，更多地具有了「意造」的成分。對於「形」則要求「在似與不似之間」。它類似於詩的「有我之境」。這類畫自元代以後，逐漸成為山水畫的主流。
▪ 意與境渾 這是感情與形象高度結合，達到「情景交融」、「天人合一」的境界。王國維說：「至意境兩渾，則唯太白、後主、正中數人足以當之。」可見對於詩來說，這是意境的最高境界了。而對於畫來說，當是畫家神來之筆的得意傑作了。

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從「畫外功夫」來看
所謂「畫外工夫」，是指畫家除了繪畫以外的，其他方面的修養。一幅好的山水畫，常常是詩、書、畫、印的完美結合。從畫的落款和印章上，可以看出作者在文學、書法和用印等方面的修養。