繪畫賞析作文

① 中國畫賞析150字作文

現在所謂的中國畫歷史悠久，遠在2000多年前的戰國時期就出現了畫在絲織品上的繪畫——帛畫，這之前又有原始岩畫和彩陶畫。這些早期繪畫奠定了後世中國畫以線為主要造型手段的基礎。兩漢和魏晉南北朝時期，社會由穩定統一到分裂的急劇變化，域外文化的輸入與本土文化所產生的撞擊及融合，使這時的繪畫形成以宗教繪畫為主的局面，描繪本土歷史人物、取材文學作品亦佔一定比例，山水畫、花鳥畫亦在此時萌芽，同時對繪畫自覺地進行理論上的把握，並提出品評標准。隋唐時期社會經濟、文化高度繁榮，繪畫也隨之呈現出全面繁榮的局面。山水畫、花鳥畫已發展成熟 ，宗教畫達到了頂峰，並出現了世俗化傾向；人物畫以表現貴族生活為主，並出現了具有時代特徵的人物造型。五代兩宋又進一步成熟和更加繁榮，人物畫已轉入描繪世俗生活，宗教畫漸趨衰退，山水畫、花鳥畫躍居畫壇主流。而文人畫的出現及其在後世的發展，極大地豐富了中國畫的創作觀念和表現方法。元、明、清三代水墨山水和寫意花鳥得到突出發展，文人畫成為中國畫的主流，但其末流則走向因襲模仿 ，距離時代和生活愈去愈遠。中國畫自19世紀末以後在近百年引入西方美術的表現形式與藝術觀念以及繼承民族繪畫傳統的文化環境中出現了流派紛呈、名家輩出、不斷改革創新的局面。

② 欣賞一件藝術品作文 要繪畫的！

「愛藝術並不表示懂藝術，懂藝術並不表示會藝術，藝術不是模仿，而是超脫是創造。它需要人去為它奉獻去犧牲，去把它當作一個神魂顛倒的情人。」
從小，我就對繪畫有著特殊的情感。記得在我讀幼兒園的時候，媽媽問我想學點什麼，我毫不猶豫地說：「我想學畫畫。」從此，我與繪畫結下了不解之緣。
繪畫不僅給我帶來了樂趣，也給我帶來了好朋友似的安慰。在我開心的時候，用彩筆畫下自己的喜悅；在我不開心的時候，用顏料畫下自己的煩惱。繪畫成了我生命中不可缺少的一部分。
繪畫有著別具一格的魅力。無論是素描、國畫都是我非常喜歡的。
在我學過的繪畫方法中，最令我感到神秘的要算是國畫了。簡單的水、墨、筆和宣紙，既能畫花鳥、山水，又能畫動物和人物。一支軟軟的毛筆，配上墨的濃淡就可以把萬千世界表現出來，不但可以有形，還可以給人一種神似的感覺。更神奇的是畫在紙上的墨和顏料，遇水不會掉色。國畫真不愧是我國的瑰寶。
國畫不但好看，它的畫法也是多種多樣，變化多端。比如一筆兩色，在毛筆尖上蘸上兩種深淺不同的顏色，通過控制筆的角度和力度，就可以畫出不同意境的畫，畫出來的畫有一種很強的立體感。在工筆畫中，有一種技法叫渲染。它是用筆先蘸上顏色畫在紙上，然後再用一根干凈的筆蘸上清水，把顏色往外帶，根據需要控制渲染的遍數，便會出現一種由深變淺的過度效果，畫面非常自然，這樣畫出的人物、花鳥、山水，給人一種栩栩如生，妙不可言的感覺……。可以說，國畫帶給我的是驚奇和神秘，我願意盡我最大的努力去掌握國畫的精髓。
繪畫培養了我做事認真的好習慣。繪畫使我比別人多了一種表達思維的方式，我常常用畫把我心裡想的東西畫出來。有時我在做數學應用題時，也習慣用圖形或線條來表示，甚至一幅完整的圖畫。這樣做，我會覺得我的解題思路非常清楚，解題速度也快多了。繪畫還使我養成了敏銳的觀察力，這種觀察力不僅表現在我的畫里，還在生活中，媽媽總說我看問題的方式與眾不同。 繪畫已經成為我的一項愛好。每當我高興的時候，我會想起畫畫；每當我累了，我就會畫畫；每當我煩悶的時候，畫畫會使我忘掉煩惱；每當我遇到難以用言語表述的時候，我就會拿起畫筆……。
我覺得，繪畫是一樣很高雅的藝術，它可以陶冶人的情操。它現在會伴隨著我走下去，我相信，以後也會，繪畫會伴隨著我的一生。因為，我對它有獨特的感情。以前，我學過電子琴、舞蹈等等，但都沒有堅持下來，惟獨繪畫，我堅持了將近有10年了，這份感情，只可意會，不可言傳。
我很開心，無論在什麼時候，繪畫都能陪伴我。無論怎麼樣，我都不會放棄繪畫。

③ 求一篇美術作品鑒賞的作文

一幅掛在我心中的畫
—《克里斯蒂娜的世界》心得

這是美國畫家安德魯•紐厄爾•懷斯的一幅作品。作品中描繪了一個身有殘疾的鄉村姑娘，背向觀眾坐在一片空曠的枯草地上。遠處有一幢農舍，馬車輪碾出的路痕一直通向那幢房子，那就是她的家。再遠處另一幢有點像農民倉庫的房子，是一個簡陋的教堂。

畫家以草地、農舍、教堂概括了這位不幸的身有殘疾的克里斯蒂娜的物質世界和精神世界。

整個畫面色彩寫實，溫暖、柔和的色調令人賞心悅目。細膩的筆觸令人贊嘆。遠處狹窄的天空令人感到壓抑，特別是因殘病而扭曲的人物，及其所處畫面失衡的位置，令人感到不安。秋季的荒涼和人物眼前呈現的遙遙長路，更增添了自然的冷漠及生命的孤寂。它最終偏離了我們的審美需要，偏離了一般藝術圖片養眼悅心的「假日功能」。

人們總是願意接受自己心靈所喜歡的東西。而人類特有的視覺強化功能，還會通過自身的經驗，把畫面所展現的意味誇大。所以，人們更願意將畫有水果、魚肉的圖片掛在餐廳；把美女、帥哥的靚照掛在卧室。這類藝術作品通常只能在博物館（該畫現藏於紐約現代美術博物館）或畫冊上面看到。然而，它卻是一幅掛在我心中的畫。

從狹義上來講，這是一幅具有勵志意義的作品。當我們的視線從掙扎著的克里斯蒂娜延伸到那所小屋及教堂的時候，我們是否能夠透過這陰郁、單調、透徹骨髓的蒼涼，看到姑娘體內的戰勝自我重返家園和乞求救贖的靈魂所發出的巨大能量？當我們的視覺鏡頭隨著艱難爬行的克里斯蒂娜一起向前推進的時候，凄涼的路途必然會越來越短，愉悅的天空必然會越來越寬。這種愉悅是只有在抗擊磨難中才能真正領悟到的愉悅，是將痛苦變為不朽的精神動力源泉的愉悅。雷雨過後的彩虹永遠屬於勇敢穿越風暴的人。痛苦是精神力量的秘密所在。

從廣義上來講，這是一幅具有存在意味的作品。畫家似乎為我們揭示了人類心靈普遍存在的一種特殊傾向—對「家園」的嚮往與渴望。而孤獨和痛苦並沒有使人類對「家園」的渴望減少，它恰恰成為我們將這種渴望付諸行動的動力。這種情緒我們稱之為「鄉愁」，它也是懷斯的畫中所隱含的深刻的憂思。這個「家園」就是生命的本原即世上萬物共有的東西（終極基礎）。懷斯的畫是極端寫實的，而意境是抽象的。「鄉愁」就是對「家園」失落的憂傷。「家園（終極基礎）」的失落，要比健康的消逝更讓人感傷。健康的消逝及絕望更容易讓我們生發對「家園」的渴望。這就是為什麼飽受苦難的人更容易走上宗教信仰的原因。「如果我們沒有經歷或多或少的苦難，我們又如何知道我們的存在？除了受難而外，我們又如何能轉向自己而獲取到深思的意識呢？（烏納穆諾《生命的悲劇意識》）」 我們能否用我們這充滿苦痛的殘缺之軀在荒涼（現代工業文明）中抵達那遙不可及的「家園」？這就是畫家留給我們的永恆的思索。

痛苦是精神力量的秘密所在，而比痛苦更加強烈、更隱蔽的是失落「家園」的憂傷。憂傷才是人生悲劇意識的根源。克里斯蒂娜的世界是一個基於信念的世界，更是一個基於用肉體去感受的世界。世界最終的本性（「家園」），我們不得而知，它存在於我們的感覺之外。最真實的是克里斯蒂娜目光所指向的畫中馬車輪碾出的路痕，最真實的是畫家尚未畫出的克里斯蒂娜踽踽前行所留下的蹤跡。一如我此篇文章在讀者腦海里所留下的斷斷續續的文字。

「人生到處知何似？應似飛鴻踏雪泥。 泥上偶然留指爪，鴻飛那復計東西。」這是我國宋朝詩人蘇軾在《和子由澠池懷舊》中的一段話。不同時代，不同國籍的人，對人生在世的感嘆卻是驚人的相似。除了「蹤跡」，真正的本原（「家園」）是再也或永遠無法被（重新）居有的了。這種「蹤跡」最終也被非本原的本原—文字（符號）所「替補」。行動就是存在。

《克里斯蒂娜的世界》，這是一幅掛在我心中的畫。它的秘密我已經告訴了你

④ 名畫欣賞的作文(400字左右)

這幅《鳶尾花》是我最喜歡的梵谷的畫之一。
怎麼說呢，也許僅僅是被她的美麗所吸引。雖是很平凡的植物，卻被畫得那麼可愛，我認為他畫的鳶尾花一定比真正的還美，還真實......
提奧曾說這幅畫在獨立沙龍上「很受觀者的欣賞......他遠遠地就吸引住你的目光。這是一幅很美的作品，畫面上洋溢著清新的氣氛和活力。」
就在我寫這些文字的時候，就在我面前，擺著這幅鳶尾花。只可惜畫是印刷品,目前我按原尺寸臨摹中.....
我天天都看著她，的確是說不出的美。你會有一種很幸福的感覺。而當回想起梵谷的種種不幸及這些畫的種種命運，你又會發出無盡的感嘆，感嘆大師為我們留下的無窮無盡的享受，而他自己卻永遠無法知曉，永遠在痛苦與無奈中漂泊。
我真的很奇怪，像這樣一幅畫在當時竟沒有人買！也許歐洲人也很老古董，意識僵化。我覺得梵谷後期的許多作品都是很唯美的，大部分是很向上的。那些畫是對大自然的贊美，是對美好生活的嚮往，它們為什麼不被人理解呢？

在1988年，這幅畫被拍了5300萬美元！
就像《梵谷的歷程》中說的：「公眾又一次面對這一幅不可捉摸的繪畫作品，其價值的高低竟然靠拍賣時的競價大戰來決定，其利潤的獲得者竟然是跟這件作品的創作毫不相乾的人。」
看到這些，你能說什麼呢？為梵谷高興？因為他在今天真正成了大師；為他悲傷？因為他早上了天堂，永遠無法享受人民對他的愛戴了

⑤ 關於美術鑒賞的作文600字左右

眾所周知，美術的鑒賞是運用感知、記憶、經驗、知識，對美術作品進行感受、體驗、分析、判斷而獲得審美享受和美術知識的過程。本學期，我選擇了「世界美術賞析」這門藝術學科進行了選修。原因其實很簡單，我自小非常喜歡美術方面的東西，對這些看似神秘的藝術形態十分好奇，很想從這課程當中得到一些藝術的知識與熏陶。通過選修這門課程，我逐步了解了許多關於繪畫的知識。學下來收獲很大，我逐漸可以感受到了文藝復興義大利藝壇三傑之一的拉斐爾那作品散發出一種令人愉快的篤定，那種歸屬感；義大利文藝復興時期偉大的繪畫家、雕塑家和建築師，文藝復興時期雕塑藝術最高峰的代表米開朗基羅.博那羅蒂在他的作品中的寓意；了解了被可視為法蘭德斯巴洛克風的具體象徵的魯本斯的作品；當然還有現在被我認為是世界上最美的油畫之一的倫勃朗的「泰特斯」等等這些經典的西方美術藝術。通過不斷的美術鑒賞活動，可以提高人的審美趣味、陶冶高尚情操，通過美術鑒賞，提高我的藝術品味，吸收前人優秀技法，在中國傳統美術教育中是一種重要的方法。而且在我看來從實際情況作為起點，由於經濟生活的變化，各種思潮的影響，社會活動空間的擴大，學生產生了一些需要重視和解決的問題。「高分低能 」是一種表現。學生有較多的知識和專業文化，並不一定代表他具有其他方面的素質和修養。所以要呼籲素質教育。素質教育是一個系統，而藝術教育恰恰則是素質教育的一個有效手段和一個不可或缺的方面。藝術教育不是培養專業的藝術家，不是單純地訓練吹笛子、彈鋼琴、畫畫、書法和跳舞的技術，它是要通過這種技能、知識和修養，提高審美境界，從而促進德、智、體、美、勞、生的全面發展，成為心中具有崇高理想和大目標的建設社會主義現代化的一代新人。所以要適當的培養自身的藝術修養。這也是我選擇這一課程的原因之一。

⑥ 美術作品鑒賞作文（例文）

如果說西方美術的歷史就像夜空中群星閃耀的銀河，那麼荷蘭畫家文森特•梵高絕對是其中一顆孤獨的恆星。說他是恆星，是因為他的畫作明快、激情，彷彿能夠點燃暗淡清冷的生命，充滿了熱切的感情和渴望，流傳下來的作品都成為不朽的藝術篇章；說他孤獨，是因為在這位畫家短短37年的生命中，經歷了無數的曲折和坎坷，始終未在生前得到作為畫家的認同和尊重。

仰望梵高流逝的生命，這種孤獨幾乎是與生俱來的，幾乎是命中註定要伴隨其一生。恆星的光焰太強烈，太灼熱了，任何一個質量不夠大能量不夠強的形體過於靠近它，都會被他炙傷乃至被他熔化。如同被他的愛情和狂熱的追求嚇跑的表姐，因為他割下耳朵的示愛而匆忙逃竄的妓女。然而，如果他與一顆同樣光芒四射的恆星不期而遇，將遭遇同樣的危險，因為兩顆恆星過於靠近就會不可避免的發生摩擦乃至碰撞——他們只能永遠孤懸在星空一隅，各自懷著一腔衷情，彼此眺望。如同梵高和高更，因為對藝術倔強的追求導致兩人之間既互相欣賞又有隔閡和摩擦。恆星以其巨大的能量和吸力，令萬眾俯首，引群星影從，但是所有圍繞恆星轉動的行星都註定要與他保持著遙遠的距離，他們依循著他的指引領受著他的恩澤沐浴著他的光芒，卻無從向他表示自己的感激，只能把他的光澤反射給更需要慰籍的星體。這就是文森特•梵高，一顆孤獨的恆星。

如果一定要追逐這顆恆星劃過宇宙星空的軌跡的話，他短短37年的生命中留下的1700多幅素描、油畫和版畫作品並不能使得這種追逐變得容易，因為仔細去端詳梵高的繪畫，會發現在炙熱和明快背後，始終有著令人捉摸不透而又異常著迷的若即若離的感情。早年時或許是翩翩少年的憂傷和沉鬱，而在畫家畫風日趨成熟的最後的六年日子裡，畫作開始在憂郁中爆發出熱烈，彷彿在經歷過絕望和挫敗而陷入漆黑一片之後，畫家自己給自己打開了一扇心窗。他用厚厚的油畫顏料堆積出的明快火熱的色彩，「他用全部精力追求了一件世界上最簡單、最普通的東西，這就是太陽。」這位罹患精神病的畫家或許自己都無法完全理解自己的畫作，在生命最後的一年裡，他的畫作幾乎是在描寫病中的幻象了。或許，去追逐梵高的心跡，端詳他所創作的多達38幅的自畫像是一個可能的途徑。

⑦ 繪畫藝術作文，求。。。

我從四歲開始就在美術培訓班學習繪畫，當時的我,十分沒興趣,老是畫走了樣,明明是根蘿卜,差點畫成了章魚,明明是條恐龍,卻畫成了什麼的怪物``````於是,老師教我們先起稿, 再畫畫.我按照老師所說的去做,不到一個月,畫畫水平漸漸地提高了,已經是家常便飯了.無論是刮風還是下雨,無論是寒冬還是酷暑,從不間斷. 至今已經堅持8年了，現在，繪畫已成了我學習和生活中難以割捨的一部分。在繪畫方面我還取得了不少成績呢，已多次獲得全國市小學生繪畫書法作品比賽美術類比賽一、二、三等獎和其它各類獎項。從油畫棒畫、油水分離畫、線描畫、黑白畫、紙版畫、水粉畫，到現在我學的國畫，我都非常喜歡，從中我不但學到了許多繪畫知識和技能，還學到了許多常識，了解了許多畫家的作品和他們眼中筆下的大千世界。馬上我就又要升班了，開始學習素描和色彩。
在我學過的繪畫方法中，最令我感到神秘的要算是國畫了。簡單的水、墨、筆和宣紙，既能畫花鳥、山水，又能畫動物和人物。一支軟軟的毛筆，配上墨的濃淡就可以把大千世界表現出來，不但可以有形，還可以給人一種神似的感覺。更神奇的是畫在紙上的墨和顏料，遇水不會掉色。國畫真不愧是我國的瑰寶。
國畫不但好看，它的畫法也是多種多樣，變化多端。比如一筆兩色，在毛筆尖上蘸上兩種深淺不同的顏色，通過控制筆的角度和力度，就可以畫出不同意境的畫，畫出來的畫有一種很強的立體感。在工筆畫中，有一種技法叫渲染。它是用筆先蘸上顏色畫在紙上，然後再用一根干凈的筆蘸上清水，把顏色往外帶，根據需要控制渲染的遍數，便會出現一種由深變淺的過度效果，畫面非常自然，這樣畫出的人物、花鳥、山水，給人一種栩栩如生，妙不可言的感覺……。可以說，國畫帶給我的是驚奇和神秘，我願意盡我最大的努力去掌握國畫的精髓。
繪畫已經成為我的一項愛好。每當我高興的時候，我會想起畫畫；每當我累了，我就會畫畫；每當我煩悶的時候，畫畫會使我忘掉煩惱；每當我遇到難以用言語表述的時候，我就會拿起畫筆……。繪畫帶給我的是輕松、喜悅、充實和智慧。
我很開心，無論在什麼時候，繪畫都能陪伴我。無論怎麼樣，我都不會放棄繪畫。

⑧ 本人美術作品賞析文章一篇（字數不少於1500！跪求

莫奈的《日出.印象》 1874年,莫奈發起和組織了第一屆印象派畫展。就在這次畫展中，莫奈的一幅《日出·印象》引起了歐洲畫壇的強烈震動。莫奈也一舉成名。 當年莫奈在巴比松畫家戶外作畫的影響下，開始注意畫天空、大氣和人物在大自然的光照中的復雜色彩。這些以自然界的光色變化為目標的繪畫技巧並非輕而易舉。《日出·印象》展出後，受到社會的公開攻擊。那位以「印象」來諷刺這幅畫的《喧噪》周刊的記者路易·勒魯瓦，本來是以此指責莫奈「對美與真實的否定」，可是這個名稱從此竟彪炳畫史，變成了極富號召力的光輝符號。在「印象主義」一詞中，貶義內涵已消失殆盡，盡管當時展廳上的70幅畫連一半也沒有賣出去。 該畫是印象主義繪畫的開山之作, 它標志著印象派繪畫的產生。迅速成為一個風靡全球，影響深遠的世界性畫派。它強調自然界的光和色，把光與色的變化作為繪畫的主流。莫奈被認為是第一個採用外光技法進行繪畫的印象派大師。在十九世紀的法國，當一些前衛的藝術家已經厭倦了新古典主義的條條框框，陳舊的題材，宏大的場面，理性的構圖，完美的人體，這一切新古典主義的核心傳統都已經成為束縛，這些藝術家渴望沖破羈絆，盡情地抒寫眼前的世界，抒發內心的嚮往。於是，一些新的繪畫流派相繼產生，其中對後世有著巨大影響的就是印象派，他的領袖就是法國人莫奈，而這幅《日出 . 印象》也是最具代表性的一幅，同時更重要的是「印象派」這個名字便從這幅畫得來。
1874年4月15日在巴黎市中心的一間工作室里舉辦了一個名為「無名畫家展覽會」的畫展，這批青年藝術家中就有克洛德.莫奈。這個畫展沒有引起很大影響，參觀的人很少，並且遭到了人們的批評和嘲諷。因為這幅畫無論從題材，構圖，色彩，各方面都不符合當時的標准，簡直是一團糟。就像是孩子幼稚的塗鴉，信手幾筆，毫不負責任。有個記者借用莫奈的《日出.印象》的標題，譏諷這個畫展的畫家都是「印象派」。在這里「印象」可是個貶義詞，充分表現了當時人們對這幅畫的輕視與嘲笑。他們在批評這幅畫的草率，膚淺，粗糙。可以說一無是處。
也許是這幅畫已經超越了當時整個時代的鑒賞力。若干年後，當人們在再看這幅畫，我們驚呼這幅畫覺得他簡直就是一首美妙的抒情詩。這幅畫描繪的是畫家的家鄉阿弗爾海港的日出景象。清晨的海港，海面上薄霧彌漫，一輪紅日正從地平線冉冉升起，給清涼的霧氣和粼粼的海面渲染了淡淡的紅色。幾艘小船正緩緩駛來，遠處的貨輪也開始工作了，整個海港在曙光中慢慢蘇醒，陣陣暖意正隨著那輪紅日撲面而來，破曉前微涼的霧氣也在漸漸散去。這種清涼的感覺通過畫家對光和色彩的把握及運用征服了所有的觀眾。他抓住了光與色彩瞬間的感染力，用寥寥數筆卻使現實中的美景躍然紙上，表現得十分動人。
印象派的出現並不是空穴來風，它的出現有其復雜的淵源的。可以追溯到文藝復興，人們的自我意識開始慢慢增強，畫家也開始越來越尊重自己的主觀感受，希望表現自己眼前真真切切的世界和內心真實的感情。而且這也是科學技術的發展，吸收了自然科學對色彩的研究，人們漸漸發現，物體的色彩並不是一成不變的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝陽的照射下就變成了金色，當夜幕降臨它又變成了黑色。所以環境和光的變化，物體的顏色是隨之發生變化的。印象派畫家就是抓住這瞬息萬變，轉瞬即逝的光與色的印象，然後用自己的筆記錄下眼前的景色和自己內心的感受。
莫奈覺得沒有什麼比這更重要，只有這樣才是真正的價值和美好所在。他專注於每一個細微的光彩的變化，它的畫面以一種超乎想像的靈動性散發著色彩的生命力。在他的畫中，那些色塊似乎在人們的眼前不停的跳躍，融合，使觀眾不知不覺中被帶動被感染。《日出.印象》便給人這種感覺，我們似乎站在海港不遠處一個公寓的窗邊，眼前旭日正在冉冉上升，驅走清涼的霧氣，帶給我們新的一天。這幅畫是莫奈早期的作品。之後，莫奈終其一生都在研究光影下物體顏色的細微變化。映天接日的白楊，逆光的草垛，神秘的教堂，夢幻般的睡蓮，他把這種光色效果變現的越來越淋漓盡致。 合計：1591個文字~你可借鑒稍加修改~祝你好運！