聖愛與俗愛賞析
㈠ 世界各地名畫
世界十大名畫
1、無名女郎 1883年 i.n.克拉姆斯柯依 俄國 75.5cm×99cm 布 油彩 莫斯科 特列恰科夫美術館藏這是一幅頗具美學價值的性格肖像畫，畫家以精湛的技藝表現出對象的精神氣質。畫中的無名女郎高傲而又自尊，她穿戴著俄國上流社會豪華的服飾，坐在華貴的敞蓬馬車上，背景是聖彼得堡著名的亞歷山大劇院。究竟「無名女郎」是誰，至今仍是個謎。畫家在肖像畫上創造了一種新的表現風格，即用主題性的情節來描繪肖像，展示出一個剛毅、果斷、滿懷思緒、散發著青春活力的俄國知識女性形象。
2、入睡的維納斯 約1510-1511年 喬爾喬內 義大利 108.5cm×175cm 布 油彩 德累斯頓國家美術館藏這是喬爾喬內最成功的油畫作品，最後由提香完成。作品中的維納斯展示出造化之美，沒有任何宗教女神的特徵：在自然風景前入睡的維納斯，軀體優美而溫柔，形體勻稱地舒展，起伏有致，與大自然互為呼應。這種藝術處理不是為了給人以肉感的官能刺激，而是為了表現人的具有生命力的肉體和純潔心靈之間的美的統一。這種充滿人文精神的美的創造，是符合文藝復興時期理想美的典範的。
3、蒙娜麗莎 1503年-1506年 萊奧娜多·達·芬奇 義大利 77cm×53cm 板 油彩 巴黎 盧浮宮藏達·芬奇的《蒙娜麗莎》成功地塑造了資本主義上升時期一位城市有產階級婦女形象。據記載，蒙娜麗莎原是佛羅倫薩一位皮貨商的妻子，當時年僅24歲。畫面中的蒙娜麗莎呈現著微妙的笑容，眉宇間透出內心的歡愉。畫家以高超的繪畫技巧，表現了這位女性臉上掠過的微笑，特別是微翹的嘴角，舒展的笑肌，使蒙娜麗莎的笑容平靜安祥而又意味深長。這正是古代義大利中產階級有教養的婦女特有的矜持的美好表現，不少美術史家稱它為神秘的微笑。
4、女占卜師 卡拉瓦喬 油畫 1590年 99×131厘米 藏巴黎盧浮宮
5'宮娥 委拉士貴支 1656年 318×276厘米 藏馬德里普拉多博物館宮
6、海倫娜.弗爾曼肖像 魯本斯 1620-1625年 79×54厘米 現存倫敦國立美術館
7、珍珠女郎 柯羅 1868-1870年 70×55厘米 巴黎盧浮宮藏
8、吹笛少年 馬奈 油畫 1866年 160×98厘米
9、向日葵 1888年 文森特·凡·高 荷蘭 91×72厘米 布 油彩《向日葵》是凡·高在法國南方時畫的。南方陽光的燦爛令畫家狂喜，他用黃色畫了一系列靜物，來表達內心的感受，《向日葵》便是這時的代表作。畫家以短暫的筆觸把向日葵的黃色畫得極其刺眼，每朵花如燃燒的火焰一般，細碎的花瓣和葵葉象火苗一樣布滿畫面，整幅畫尤如燃遍畫布的火焰，顯出畫家狂熱般的生命激情。
10、西斯廷聖母 拉斐爾 1513-1514年 265×196厘米 現藏德累斯頓博物館畫面上，帷幔向兩邊緩緩拉開，聖母馬麗亞懷抱嬰兒基督從雲中冉冉降落。她的腳邊，跪著年老的教皇西斯廷二世和年輕美麗的聖徒瓦爾瓦拉，前者穿著沉重的法衣，用手指著聖母應該去的大地，後者目光下垂，虔敬里略帶羞怯，似在為母子倆祈禱。聖母面容秀麗而沉靜，眉宇之間似有隱憂，為了拯救全人類，她將不得不犧牲自己的愛子。小基督依偎在母親懷里，他睜著大眼睛望著我們，目光里有一種不尋常的嚴肅感，似乎他已明白這里所發生的一切。
其它
佛羅倫薩畫派 喬托《逃亡埃及》
《聖經》中說，東方三博士得知人類未來的救世主耶穌誕生，即前往耶路撒冷朝拜，以色列希律王得知後甚為恐懼，立即下令將耶穌誕生地的伯利恆地區所有男嬰全部殺死，藉以滅掉耶穌根除後患。上帝托夢於耶穌義父約瑟，趕快將聖母瑪利亞和剛出生的耶穌帶往鄰國埃及避難，喬托描繪的正是這一情節。在這幅畫中喬托完全拋棄了中世紀的清規戒律，畫中人物有著健壯而結實的身體，充滿世俗的人情意味。我們所見情景，就是現實生活中的母親抱著孩子騎在驢背上，在丈夫引導下和同路人在鄉間山道上行進，這是一幅活生生的世俗畫面。畫家把神請到了人間，將神變成人。
佛羅倫薩畫派 喬托《猶大之吻》
這是《聖經》中猶大出賣主的故事：希律王決心滅掉神子耶穌，以重金招示，捉拿耶穌。在耶穌的12個門徒中有個叫猶大的，在重金誘惑下出賣了老師。希律王派來的法利賽人說不認識耶穌，猶大獻計說：當我走近一個人並與他接吻時，他就是耶穌。因此，猶大的吻是出賣主的暗號，罪惡的吻。
畫家用戲劇性手法，將矛盾尖銳對立的雙方置於畫面的視覺中心，其餘人物分列兩旁，作對稱式向著中心主體人物。處於中心的猶大身體被單純的、明亮醒目的黃色斗篷所包裹著，在周圍復雜的人群中顯得更加突出，他抬手欲摟抱耶穌的手勢，使斗篷形成扇面形的褶紋由疏到密向上集中，將人們的視線引向頭部，人們的目光最後落在耶穌和猶大的對立面孔上，猶大向上作乞求狀，而耶穌俯視猶大，冷靜、銳利夾著仇恨，像一雙利劍欲穿透叛徒的胸膛。兩個對立著的面孔表現了人類社會光明與黑暗、正義與邪惡、美與丑的搏鬥。畫家最大限度地突出這一決斗，無疑是在用畫筆贊頌光明、正義和美的化身——耶穌，鞭撻、揭露黑暗、邪惡和丑的化身——猶大。
佛羅倫薩畫派 波提切利《春》
歷史上不少詩人頌贊美神維納斯。美第奇宮廷詩人波利齊阿諾說：維納斯漫步在月光下，如皇後般庄嚴，如春風般和煦，她走過的路上，萬物萌發，鮮花盛開。神話中的維納斯是美麗的象徵；也是一切生命之源的化身。波提切利筆下的維納斯是代表生命之源的女神。畫面左上方是風神，他擁抱著春神，春神又擁著花神，被鮮花裝點的花神向大地撒著鮮花；畫面中間立著女神維納斯，在她頭頂處飛翔著手執愛情之箭的小愛神丘比特；維納斯的右手邊是三美神手拉手翩翩起舞，她們分別象徵「華美」、「貞淑」和「歡悅」，給人間帶來生命的歡樂；畫面的右下方是主神宙斯特使墨丘利，他有一雙飛毛腿，手執伏著雙蛇的和平之杖，他的手勢所到，即刻驅散冬天的陰霾，春天降臨大地，百花齊放，萬木爭榮。這是一幅描繪大地回春，歡樂愉快的主題。然而，畫中人物的情態，畫面並無歡樂之氣氛，像春天裡吹來一陣西北風，籠罩著一層春寒和哀愁；若有所思的維納斯，旁若無人，進入自己的內心世界；三美神的舞姿似乎是受命起舞，頗有逢場作戲的感覺，令觀賞者不解。自文藝復興始，人文主義精神滲入文藝創作，畫家往往藉助於宗教神話題材和神的形象，寄託自己對社會、自然和人生的思想情感，傳達自己的理想，在波提切利所塑造的藝術形象中，都寓含著對現實的惶恐不安。畫家當時體弱多病，抱病從命作畫，這種心境所創造的藝術形象自然也就憂郁哀傷了。
佛羅倫薩畫派 波提切利《維納斯的誕生》
這幅畫中情節和形象塑造是依據美第奇宮廷御用詩人波利齊阿諾的長詩。詩中描述維納斯從愛琴海中誕生，風神把她吹送到幽靜冷落的岸邊，而春神芙羅娜用繁星織成的錦衣在岸邊迎接她，身後是無垠的碧海藍天，維納斯憂郁惆悵地立在象徵她誕生之源的貝殼上，體態顯得嬌弱無力，對迎接她的時辰女神和這個世界毫無激情，不屑一顧。這個形象告訴觀賞者，女神是懷著惆悵來到這充滿苦難的人間的。這種精神狀態正是畫家自己對現實態度的寫照。《維納斯誕生》還有另一層涵義。當時在佛羅倫薩流行一種新柏拉圖主義的哲學思潮，認為美是不可能逐步完善或從非美中產生，美只能是自我完成，它是無可比擬的，實際上說的就是：美是不生不滅的永恆。畫家用維納斯的形象來解釋這種美學觀念，因為維納斯一生下來就是十全十美的少女，既無童年也不會衰老，永葆美麗青春。
維納斯的造型很明顯是受古希臘雕刻中維納斯形象的影響，從體態和手勢都有模仿卡庇托利維納斯的痕跡，但是缺少古典雕像的健美與嫻雅。這種造型和人物情態實際上成了波提切利獨特的藝術風格。
威尼斯畫派 提香《天上的愛與人間的愛》（聖愛與俗愛）
《天上的愛與人間的愛》描繪的是美狄亞與維納斯的相會,裸體的維納斯勸她身旁的美狄亞去協助伊阿宋盜取金羊毛,但從畫面情節來看這種說法又很不確定,所以內容至今未定。此畫是提香描繪女性美創作的早期作品，這一階段是他陶醉於喬爾喬奈的風格時期,這個時期的創作在很大程度上是強調人的壯美與和諧,此畫風格粗獷豪放，筆力雄健，但人物本身所具有的閑雅微妙的精神狀態與純潔高尚的品質，又使作品具有牧歌式的情調,寧靜優美..
佛羅倫薩畫派 達芬奇《最後的晚餐》
《最後的晚餐》是基督教傳說中最重要的故事，幾乎被所有宗教畫家描繪過。但在達芬奇為米蘭格雷契寺院食堂畫《最後的晚餐》之前，所有的畫家對畫面藝術形象處理都有一個共同的特點：那就是把猶大與眾門徒分隔開，畫在餐桌的對面，處在孤立被審判的位置上。這是因為畫家們對人的內心復雜情感無法表現，從形象上難以區別善惡。由於達芬奇對人的形象和心理作過深入的觀察和研究，能從人物的動作、姿態、表情中洞察人物微妙的心理活動並表現出來。
畫家選擇的瞬間情節是耶穌得知自己已被弟子猶大出賣，差弟子彼得通知在愈越節的晚上與眾弟子聚餐，目的並非吃飯，而是當眾揭露叛徒。當耶穌入座後即席說了一句：「你們中間有一個人出賣了我。」說完此話，引起在座的眾弟子一陣騷動，每個人對這句話都作出了符合自己個性的反映：有的向老師表白自己的忠誠；有的大感不惑要求追查是誰；有的向長者詢問，整個場面陷於不安之中。過去的畫家無法表現這一復雜的場面和弟子們各不相同的內心精神活動，唯芬奇從現實生活中對各種不同個性人物的觀察，獲得不同的個性形象，於是在畫中塑造了各不相同的人物形象，觀賞者可以從自己的生活經驗出發，對畫中人作出不同的心理分析。
畫家描繪的弟子們的心理和情態，在現實生活中都可以找到相似的模特兒，可是叛變者的形象是很難畫的。達芬奇為塑造猶大的形象已停筆幾天，他常站在畫前沉思。當時請芬奇作畫是按時付酬金的，後幾天不動筆使院長十分惱火，並打算扣芬奇的工資。院長將想法通過總管告訴芬奇，芬奇說了停筆的原因。總管雖能理解，但扣工資非他本意，而是承院長旨意。這時芬奇轉首看看院長，立即表示可以很快完成猶大的形象，如果實在找不到猶大的模特兒，就把院長的頭像畫成猶大，總管會意地笑了。後來米蘭大公來看芬奇已完成的畫，一見坐在猶大位置上的是院長，他笑了，並說：我也收到修士們的指控，說他剋扣修士們的薪金，他和猶大是一個樣的，就讓他永遠地坐在這里吧。大公對芬奇說：「他對你不公平，你巧妙地報復了他。」芬奇之所以用院長作模特兒，並非完全是出於個人的報復，而是發現院長和猶大都很貪婪金錢，他們在本質上是一致的。所以猶大是作為貪財、叛賣、邪惡的典型而進入芬奇的作品的。
這幅在格雷契寺院食堂牆壁上的宏大畫面，嚴整、均衡，而富於變化，無論從構思的完美、情節的緊湊，人物形象的典型塑造以及表現手法的純熟上都堪稱畫家藝術的代表。它也是人類最優秀的繪畫作品之一，由於它的問世而使達芬奇名揚世界。
佛羅倫薩畫派 達芬奇《岩間聖母》
畫家33歲時客居米蘭，用蛋彩繪制這幅聖母畫，用岩洞作聖母子的環境，有畫中景和畫外意：聖母子在大天使護衛下暫歇於岩洞，有一種安全感；選擇岩洞作背景，起源於達芬奇記憶中的古佛羅倫薩採石場馬雅諾，岩洞的深意?在於宗教傳說中聖者誕生的洞穴，內涵黑暗和光明，即指上帝的光輝是以聖母子為載體轉化為人和他的苦難，讓神聖的光明穿破黑暗，照亮世界。這幅畫的人物組合為主體金字塔式構圖，畫家運用明暗畫法塑造形體、渲染人物形象的情感和畫面氣氛。芬奇尤為擅長通過畫中人物的軀體動作姿態的多樣變化，表現人的不同心靈和情感，約翰在祈禱，耶穌在為約翰祝福，天使在指示約翰，聖母伸出手作出撫愛姿態，這些人物動作、手勢都反映出不同人物的心理活動狀態。由於畫家繼承和發展了馬薩喬創立的明暗畫法，並運用這種畫法描繪岩洞聖母，這使整個畫面上洋溢著空氣和空間的深度感。作為畫家兼科學家的達芬奇所描繪的岩洞，人們能從岩石的結構看出岩洞形成的時期。可見畫家創作的科學態度，這正體現文藝復興盛期美術創作的特點——探索科學表現。
佛羅倫薩畫派 拉斐爾《雅典學院》
在雄偉庄麗的大廳里，匯聚著人類智慧的明星，他們是不同時代、不同民族、不同地域、不同學派的傑出學者、思想家，古今同堂，自由熱烈地進行學術討論，可謂洋溢著百家爭鳴的氣氛，凝聚著人類天才智慧的精華。畫面構圖宏大，視覺中心人物是古希臘哲學家柏拉圖和亞里士多德。圍繞這兩位大哲學家畫了 50多個學者名人，各具身分和個性特徵。他們代表著古代文明中七種自由學術：即語法、修辭、邏輯、數學、幾何、音樂、天文等。畫家藉以表彰人類對智慧和真理的追求，以及對過去文明的贊頌，對未來發展的嚮往。我們欣賞這幅巨作，如同進入人類文明博大精深的思想世界，這個思想領域是由柏拉圖和亞里士多德的爭論展開的。他們兩人從遙遠的歷史走來，邊走邊進行激烈的爭論。從一上一下對立的手勢，明顯地表達了他們在思想上的原則分歧。兩邊的人物成眾星捧月分列兩旁，表情動勢向著兩位爭論學者，有的注目傾聽，有的用手勢欲表達自己的看法，強化了畫面的中心。畫幅左面一組的中心人物，是身著長袍，面向右轉，打著手勢在闡述自己的哲學觀點的蘇格拉底；下面身披白色斗篷，側轉頭冷眼看著這個世界的青年人，是畫家故鄉烏爾賓諾大公弗朗西斯柯；大公身後坐在台階上專心寫作的禿頂老者，是大數學家畢達哥拉斯，身邊的少年在木板上寫著「和諧」和數學比例圖；身後上了年紀的老人，聚精會神地注視畢達哥拉斯的論證，准備隨時記錄下來；那個身子前傾伸首觀看，扎著白頭巾的人，據說是回教學者阿維洛依；畫面左下角趴在柱墩上、戴著桂冠正在專心書寫的人，有人定為語法大師伊壁鳩魯；畫中前景側坐台階、左手托面、邊沉思邊寫作的人，是唯物主義哲學家德謨克利特；他身後站著一位轉首向著畢達哥拉斯的人，他一手指著書本，好像在證明什麼，他就是修辭學家聖諾克利特斯。畫面中心顯眼處的台階上橫躺著一位半裸老人，他是犬儒學派的哲學家狄奧尼，這個學派主張除了自然需要之外，其他一切都是無足輕重的，所以這位學者平時只穿一點破衣遮體，住在一隻破木箱里。畫的右半部分又分幾組。前景主體一組的中心人物是一位老者，他是幾何學家歐幾里德，他正彎腰用圓規在一塊石板上作幾何圖，引來幾位年輕學者的興趣；歐幾里德後面那個背向觀眾手持天文儀的人，是天文學家托勒密：對面的長鬍子老人是梵蒂岡教廷藝術總監、拉斐爾的同鄉勃拉曼特；那個身穿白袍頭戴小帽的是畫家索多瑪，在索多瑪後面的只微露半個頭頸，側面看著我們的就是畫家拉斐爾本人。在文藝復興時期的畫家最善於在畫中描繪自己崇敬或詛咒的人，也愛將自己畫到畫中，藉以表明自己對畫中事件的態度，或代表簽名。這幅壁畫畫家巧妙地利用拱形作為畫面的自然畫框，背景是以勃拉曼特設計的聖彼得教堂作裝飾，兩邊作對稱呼應，畫中人物好像是從長長的、高大過道廊走出來，透視又使畫面呈現高大深遠。建築物的廊柱直線和人物動態的曲線相交融，產生畫面情境柔中有剛，加之神像立兩旁，使畫中充滿深層的古典文化氣息。畫家極善利用台階，使眾多人物組合主次前後有序、真實、生動、活潑，畫面將觀賞者帶進先哲們的行列。這宏大的場面，眾多的人物，生動的姿態表情，具有肖像性人物個性刻畫，布局的和諧、變化且統一的節奏，可謂把繪畫創作發展到文藝復興時期的頂峰。
威尼斯畫派 喬爾喬內《田園合奏》
充滿陽光的鄉村風景中，兩位衣著華麗的年輕音樂家和兩位體態豐艷的健美女神在樂器伴奏中歡樂，將人們引入恬靜的詩意境界，宛如一首人生頌歌，贊揚世俗生活中人性人情和愛之美。畫面將富有生機的自然風光與充滿生命和諧的人體結合起來，體現了喬爾喬內人文主義的精神。喬爾喬內擅長用清新、晶瑩的各種濃淡色彩塑造人物，他的輕快細膩的筆觸具有充分的造型表現力。畫中色調運用均衡的冷暖色，配置得恰如其分；色階的交替變化，華麗而流暢，柔和而有層次感；光線的布置，明暗交錯，呈現溫暖的金色調，給人們以感官的審美享受。
尼德蘭 凡埃克兄弟《阿爾諾芬尼夫婦像》
畫家在這里描繪了尼德蘭典型的富裕市民的新婚家庭，他用極其細膩的筆調，逼真地刻畫了年輕夫婦倆的肖像，尤其對室內的陳設，包括牆上、房頂的裝飾，描繪得一絲不苟，顯示了這位畫家所特有的書籍插圖畫的功力。 阿爾諾芬尼，這個在1420年被菲力蒲公爵封為騎士真實人物，在畫上拘泥而彬彬有禮地正和他新婚妻子在洞房中迎接貴客：他舉起了右手，表示一種儀式，象徵矢志愛情；新娘則伸出右手，放在新郎的左手上，宣誓要永遠做丈夫的忠實伴侶。華貴臃腫的衣飾是尼德蘭市民階層中一種富有者的裝束。室內的所有細節，如蠟燭、刷子、掃帚、蘋果、念珠以及兩人之間的小狗，都帶有一定的象徵性，它們提示著對婚姻幸福的聯想。畫面上洋溢著虔誠與和平的氣氛，以表達對市民生活方式和道德規范的贊頌。在背景中央的牆壁上，有一面富於裝飾性的凸鏡，它是全畫尤其值得觀者注意的細節(見附圖局部)；從這面小圓鏡里，不僅看得見這對新婚者的背影，還能看見站在他們對面的另一個人，即畫家本人。這種物理學上的游戲，顯示了畫家在運用所謂光線反射方面的知識，請注意在凸鏡面左側的那扇窗戶的弧形表現。小鏡框的四周鑲刻著十幅耶穌受難圖，圖象細小得幾乎看不清了，還有兩人頭頂那隻金光閃爍的吊燈(見附圖)，其刻畫之精微，為現代攝影者所嘆服，這是尼德蘭特有的細密畫傳統畫法，而用鏡子來豐富畫面空間，正是這幅畫的特色。後來荷蘭的風俗畫，尼德蘭的類似繪畫，都得益於這種畫法的啟示。
德國 荷爾拜因《大使們》
從1529年畫家32歲時起便定居英國，安分守己的荷爾拜因便成為性情暴烈的亨利八世的宮廷畫家。在以後的年代裡為王公貴族畫了眾多肖像。他的主要藝術成就都反映在肖像藝術創作上，他決不矯揉造作地去故意美化和粉飾他們，往往以高度寫實的手法，忠實地描繪自己對對象的直觀感受和理解。由於對象本身的面貌神情，決定了他所作肖像難免帶有貴族習氣，顯得呆板矜持，甚至有點做作。
在英國期間，作為他的肖像畫最佳作品是這幅《大使們》又名《兩個外交家》。
這是一幅雙人全身群體肖像，據考證左邊是法國駐英大使丁特維尤，右邊是外交官、主教塞爾維。畫中人物作對稱式分列於雜物台兩側，姿態類似照相，顯得呆板。畫家不以單純刻畫人物面部神態為主，而是整體地描繪人物的姿態動作和環境，在整體描繪中顯示出人物的身份和性格特點。充分施展了畫家寫實的完美技巧。畫面雖工亦不俗，表現出大家手筆。
威尼斯畫派 委羅內賽《迦拿的婚禮》
最能顯示委羅奈斯藝術成就的是他的一系列利用聖經題材描繪的宏大、熱鬧的宴會場面的作品。《迦拿的婚禮》就是其中的一件。這幅畫是畫家為義大利聖喬爾喬·馬喬里修道院創作的大型裝飾畫，畫的內容取自《聖經》故事，講的是耶穌和聖馬利亞以及使徒們在約旦河畔的迦拿這個地方遇到一家人家正在舉辦婚宴，主人邀請他們一起參加，婚宴上大家飲酒歡慶，後來酒喝光了，耶穌將壇中的水變成了葡萄酒，大家又繼續喝酒歡樂。和《利未家的宴會》一樣，委羅奈斯創作這個題材也遠離了宗教內容，他盡情地、可以說是「放肆」地發揮自己的想像和興趣，把聖經故事畫成了現實生活中的盛大宴會場面。畫中有威尼斯的當代建築、貴族、商人和樂師等，在這些歡樂的人群中還畫進了英國女皇、法蘭西斯一世、畫家提香、丁托萊托和畫家本人。據說，委羅奈斯到了威尼斯以後，他發現這里的人們追求的並不是對宗教的虔誠，而是對生活的享樂，於是他饒有興趣地把這些生活搬上了畫面。 為表現婚宴規模的盛大，畫家將宴會設計在露天，以便毫不顧忌的利用空間。他將人群分為三個層次，充分表現出場面的深遠。第一層次是以耶穌為中心坐在席位上的貴客和桌前奏樂的樂師及侍從。為體現主題，畫家將耶穌安排在正中，使徒們目光向耶穌集中，這一部分尚有些宗教氣息，除此之外，便都是痛飲狂歡的人群了。英國女皇等歐洲君主們神態各異地坐在桌旁，他們穿著色彩艷麗的服裝，增添了婚宴的豪華和熱鬧。畫家丁托萊托手持紅棍和一位歐洲君主聊著，他的前面是穿著黃色衣服、雙手抱著酒壇倒酒的侍從，這些動作的組合加強了畫面的動感。畫家把自己畫成一位樂師，在樂隊中神情專注地演奏樂器。第二層次是欄桿後的人群，這一人群的動作更為激烈，有的甚至爬上石柱。第三層次是站在建築物陽台上的人群。整個畫面共畫有一百三十多人。在銀灰色基調的襯托下，一百多個人物的五彩繽紛的服飾更為跳躍，令你眼花繚亂，充分顯示了宴會的盛大和熱鬧。 委羅奈斯在繪畫上，尤其是裝飾性繪畫上取得的成就是巨大的。他的畫有著燦爛的色彩和獨具匠心的透視，構成了令人眩目的效果，對於後來十七世紀巴洛克繪畫的影響十分深遠。但是，他的畫對人物內心和情感的刻畫是不夠的，還僅是表面的、外形的描畫，缺少內在的力量。
㈡ 聖愛與俗愛中的丘比特玩玩棺材裡的水有什麼意義
笨蛋,自己查
採納我的吧。。
㈢ 誰知道 維薩利奧 提香 作品《聖愛與俗愛》 所表達的意境嗎
【觀音靈簽】先容：觀音靈簽共有100枝,你點擊了上面的簽筒後,隨後就會展現所抽得的簽 你按簽中的詩句內容斟酌，www.xmbz191.com,就能夠悟出一些玄機了。
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l 相關的主題文章：
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㈣ 聖愛與俗愛如何去提現聖愛
愛這個字，含有雙重的含義：第一層含義是貪愛。這是一切眾生最大的毛病專，就是貪愛對方那具屬屍體。第二層含義是關愛與慈悲，這是一切眾生都具有，但是卻很少拿來用。凡夫俗子的愛，因為具備這兩種互相混雜的意義，所以大多數的愛都是不幸福的。你們仔細想一想，是不是貪愛對方的身體，有時候又會對對方升起慈悲之心？這就對了。貪愛就是痛苦的根源，慈悲才是真愛的源泉！生仙人知道：若貪愛，則有掛礙，有掛礙則有恐怖，有顛倒妄想。所以他們放下了貪愛，發揮出自己的慈悲，這就是真愛。因為放下貪愛，所以心無掛礙，沒有掛礙，所以沒有恐怖，沒有顛倒妄想，自得其樂。你看佛、菩薩、聖人，都是笑呵呵的，這是從心底發出來的幸福的微笑。願你也趕緊丟掉那顛倒的貪愛，喚醒你的真愛，找到這種愉快的感覺，從此永遠幸福！南無阿彌陀佛。
㈤ 誰知道 維薩利奧 提香 作品《聖愛與俗愛》 所表達的意境嗎
《聖愛與俗愛》是威尼斯畫家提香25歲時的作品。《聖愛與俗愛》描繪的是美狄亞與維納斯的相會,裸體的維納斯勸她身旁的美狄亞去協助伊阿宋盜取金羊毛,但從畫面情節來看這種說法又很不確定,所以內容至今未定。
此畫是提香描繪女性美創作的早期作品，這一階段是他陶醉於喬爾喬奈的風格時期,這個時期的創作在很大程度上是強調人的壯美與和諧,此畫風格粗獷豪放，筆力雄健，但人物本身所具有的閑雅微妙的精神狀態與純潔高尚的品質，又使作品具有牧歌式的情調,寧靜優美。
(5)聖愛與俗愛賞析擴展閱讀：
表現了崇高原理與低級原理的對立，這種對立是以paysage moralise（道德化風景）的便利手段作為象徵。提香作品的背景也被分為兩個部分，在畫面左半部分的薄暮景色中，有要賽般的城市與兩只野兔或家兔（動物之愛與多產的象徵），右半邊雖然質朴無華，但卻陽光明媚。那裡有羊群，還有鄉村教堂。
事實上，我們應該將提香繪畫的名稱解讀為兩個維納斯。它表現了非奇諾所說的、並非包含非奇諾詞語全部意義的「兩個維納斯」。
裸體女性是「天上的維納斯」，象徵著宇宙的、永恆的、但又可為純粹知性所把握，著衣的女性是「地上的維納斯」，象徵了一種「發生力」，
這種力在世間創造出有死有滅而又可見的有形的「美」的形象：人類與動物、鮮花與樹木、黃金與珠寶以及技藝的作品。正因如此，兩個女性才如非奇諾所言，「在各自的方式中，都值得尊敬和贊賞。」
兩個維納斯之間的丘比特更靠近於「地上」或「自然」的維納斯，攪混泉水的舉動表現出新柏拉圖主義的信念，愛既是「混合」宇宙的原理，又是天地之間的中介。
在提香的畫中，水池是一個古代的石棺，原本是盛放屍骸的，現在成了生命之泉，這一事實只能表明作品是在強調非奇諾所說的發生力的觀念。
對於佛羅倫薩於義大利北部新柏拉圖主義運動體系發展的作用而言，提香的繪畫在各個方面都有創新，但就圖像志與構圖這兩者而言，他並未割斷與先前傳統的聯系。
㈥ 文藝復興晚期畫家 維薩力奧*提香 的作品 《聖愛與俗愛》 又名《天上的愛與人間的愛》
《聖愛與俗愛》提香25歲時的作品。該作品已成為博爾蓋塞博物館的象徵。畫中身著白版色的新娘權坐在石棺旁，手拿寶石花瓶，象徵著塵世的短暫的幸福；女神維納斯手托上帝之愛燃著的火焰，象徵著天國永恆的幸福；中間是愛神丘比特。在寧靜的畫面中充滿一種牧歌式的情調。這幅畫體現了作為威尼斯畫派重要成員的提香處理色彩的精湛技術，畫史中稱其用色為「提香色」。
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